Las actrices de Woody: Barbara Hershey.

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Por José Luis Sánchez 

Sin duda una de las actrices más fotogénicas del cine estadounidense, Barbara Hershey lleva más de cuatro décadas interpretando los más variados papeles en la pantalla.

Nacida el 5 de febrero de 1948 en un pequeño bungalow de Hollywood, Barbara Lynn Herzstein (su apellido real) es hija de un columnista judío que escribía sobre carreras de caballos, mientras que su madre era presbiteriana. Como desde pequeñita proclamaba a los cuatro vientos su deseo de convertirse en actriz, en la familia le apodaron "Sarah Bernhardt". Aunque era una estudiante brillante, por su aguda timidez la gente pensaba que estaba sorda.

Debutó con episodios de la serie televisiva Gidget, aunque tuvo más éxito con la serie de corta vida Los Monroe, donde era una de las protagonistas. Interpretó también a una de las hijas de Doris Day en la última película de esta gran actriz, El novio de mamá. Con el gran Glenn Ford apareció en Un paraíso a golpe de revólver, donde era Leloopa, una joven india. Durante el rodaje se enamoró de un compañero de reparto,David Carradine, que aún no era el popular protagonista de Kung Fu. Tuvieron un hijo al que llamaron Free, aunque posteriormente él mismo decidió cambiarlo por el más convencional "Tom".

Barbara Hershey protagonizó la controvertida El verano pasado, donde su personaje convencía a dos tipos para que violaran a otra chica (en una secuencia tan dura que el film obtuvo la clasificación "X"). Durante la filmación la actriz quedó traumatizada por la muerte de una gaviota (seagull), que tenía que hacer volar. "Tuvimos que repetir muchas veces la toma hasta que me di cuenta de que el ave estaba agotada. En la última toma el director me dijo que la gaviota se había roto el cuello y se había muerto", recuerda la actriz, que se sintió tan culpable que entre los años 1973 y 1975 cambió su nombre artístico por Barbara Seagull.

El veterano William Wyler la reclutó como esposa del abogado defensor en No se compra el silencio. Uno de sus trabajos más recordados es la asaltante de trenes de El tren de Bertha, junto a David Carradine, uno de los primeros filmes de Martin Scorsese, que no suele repetir con las actrices. Pero a ella la recuerda como una de las mejores con las que ha trabajado y volvería a reclutarla, muchos años después, como María Magdalena, en La última tentación de Cristo, que levantó ampollas por su poca fidelidad a los Evangelios.

Aunque a finales de los 70 andaba más concentrada en su carrera en los escenarios, y rodó muchos telefilmes, regresó con fuerza en los 80, con trabajos a las órdenes de Sidney J. Furie (El ente), Philip Kaufman (Elegidos para la gloria), Barry Levinson (El mejor) y Woody Allen (Hannah y sus hermanas). Obtuvo el premio a la mejor actriz dos años consecutivos por Vidas distantes (1987) y Un mundo aparte (1988). También rodó con Michael Douglas el film Un día de furia, y obtuvo una nominación al Oscar a la mejor secundaria con Retrato de una dama.

Tras separarse de Carradine, Barbara Hershey estuvo unida al pintor Stephen Douglas. Posteriormente ha mantenido un romance con Naveen Andrews, que se hizo famoso por su trabajo como el iraquí Sayid, en Perdidos.

En los últimos tiempos, Barbara Hershey andaba un poco perdida en trabajos de poca repercusión, aunque destaca su papel de doctora en Lantana. La ha repescado con acierto Darren Aronofsky, a cuyas órdenes ha realizado uno de sus mejores trabajos, una madre frustrada, que oprime a su hija para que haga lo que ella no pudo hacer, triunfar como bailarina, en la inquietante Cisne negro. Ha sido también la madre de Patrick Wilson, que oculta un secreto del pasado, en la terrorífica Insidious.

Filmografia

EL NOVIO DE MAMÁ (1968) de Howard Morris PARAÍSO A GOLPES DE REVOLVER (1969) de Lee H. Katzin EL VERANO PASADO (1969) de Frank Perry NO SE COMPRA EL SILENCIO (1970) de William Wyler UN BEBÉ PARA MI ESPOSA (1970) de James Bridges EN BUSCA DE LA FELICIDAD (1971) de Robert Mulligan DEALING (1972) de Paul Williams EL TREN DE BERTHA (1972) de Martin Scorsese ANGELA (1973) de Nikolai van der Heyde THE CRAZY WORLD OF JULIUS VROODER (1974) de Arthur Hiller YOU AND ME (1975) de David Carradine UN GOLPE DE MIL MILLONES DE DÓLARES (1975) de Menahem Golam TRIAL BY COMBAT (1976) de Kevin Connor LOS ÚLTIMOS HOMBRES DUROS (1976) de Andrew V. McLaglen PROFESIÓN: EL ESPECIALISTA (1980) de Richard Rush AMERICANA (1981) de David Carradine EL ENTE (1981) de Sidney J. Furie APÁÑATELAS COMO PUEDAS (1981) de Gus Trikonis ELEGIDOS PARA LA GLORIA (1983) de Philip Kaufman EL MEJOR (1984) de Barry Levinson HANNAH Y SUS HERMANAS (1986) de Woody Allen HOOSIERS: MÁS QUE ÍDOLOS (1986) de David Anspaugh

DOS ESTAFADORES Y UNA MUJER (1987) de Barry Levinson VIDAS DISTANTES (1987) de Andrei Konchalovsky UN MUNDO APARTE (1988) de Chris Menges LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (1988) de Martin Scorsese ETERNAMENTE AMIGAS (1988) de Garry Marshall LA TÍA JULIA Y EL ESCRIBIDOR (1990) de Jon Amiel DEFENSELESS (1991) de Martin Campbell PARIS TROUT (1991) de Stephen Gyllenhaal EL OJO PÚBLICO (1992) de Howard Franklin UN DÍA DE FURIA (1993) de Joel Schumacher RECIÉN NACIDO Y YA CORONADO (1993) de Robert Young REBELDES DEL SWING (1993) de Thomas Carter UNA MUJER PELIGROSA (1993) de Stephen Gyllenhaal LOS ÚLTIMOS GUERREROS (1995) de Tab Murphy MI DESCONOCIDO AMIGO (1996) de Matt Reeves RETRATO DE UNA DAMA (1996) de Jane Campion ACTORES ASESINOS (1998) de Amos Poe LA HIJA DE UN SOLDADO NUNCA LLORA (1998) de James Ivory PASSION (1999) de Peter Duncan DROWNING ON DRY LAND (1999) de Carl Colpaert EL DESAYUNO DE LOS CAMPEONES (1999) de Alan Rudolph LANTANA (2001) de Ray Lawrence 11:14 (2003) de Greg Marcks CISNE NEGRO (2010) de Darren Aronofsky INSIDIOUS (2011) de James Wan INSIDIOUS 2 (2013) de James Wan

Fuente; http://decine21.com/biografias/Barbara-Hershey-5836

www.alohacriticon.com/elcriticon/article2609.html

Cate Blanchett y un polémico discurso.

Cate Blanchett agradeció a Woody Allen y brindó un polémico discurso

La actriz, galardona con el Oscar a Mejor Actriz, brindó un discurso que tocó “temas sensibles” de la industria cinematográfica. 

La terna de Mejor Actriz era una de las más competitivas. Las cinco actrices nominadas se lucieron en sus respectivos filmes y se merecían el reconocimiento pero, la Academia votó y fue Cate Blanchett la reconocida con este galardón.

Cuando la actriz de Blue Jasmine subió al escenario a recibir su Oscar, aprovechó los minutos de su discurso para agradecerle a Woody Allen por haberla elegido para protagonizar el film (en un contexto temporal donde la reputación del mismo había sido puesta en tela de juicio por las denuncias de abuso de su hija) y, además, aprovechó para tirarle una indirecta, bastante directa, a la industria cinematográfica de Hollywood.

"Muchas gracias Woody por elegirme. Realmente aprecio mucho que lo hayas hecho. Estoy muy orgullosa de que Blue Jasmine haya estado en los cines tanto tiempo como estuvo”, comenzó diciendo y remató: “También quiero agradecerle a la audiencia por haber ido a ver la película pese a que exista gente en la industria cinematográfica que tontamente adhiriere a la idea de que las películas protagonizadas por mujeres son experiencias de nicho. Que no lo son. La gente quiere verlas, de hecho, ganan dinero. ¡El mundo es redondo gente!”.

De este manera, Cate Blanchett se animó a hacer frente a la creencia de Hollywood que sostiene que las películas protagonizadas con mujeres no dejan ganancias económicas y que su recaudación es mucho menor que aquellas protagonizadas por el sexo masculino.


http://vos.lavoz.com.ar/cine/cate-blanchett-agradecio-woody-allen-y-brindo-un-polemico-discurso

Woody Allen: A Documentary

El film del director norteamericano Robert Weide nos ofrece la oportunidad única de conocer los espacios más íntimos de Woody Allen y sus colaboradores.

Este 14 de noviembre se estreno el destacado film “Woody Allen: El Documental”, del director norteamericano Robert Weide.

La película ofrece una mirada intima sobre la vida, la carrera y el proceso creativo del director más prolífico de los EE UU, desde su infancia en Brooklyn hasta el estreno de su ante última película "Medianoche en Paris".

Además, Allen hará un repaso de su trayectoria, desde sus comienzos como cómico y guionista de televisión, hasta la actualidad.

Josh Brolin, Penélope Cruz, John Cusack, Larry David, Scarlett Johansson, Julie Kavner, Diane Keaton, Martin Landau, Sean Penn, Chris Rock, Mira Sorvino y Naomi Watts son sólo algunos de los personajes que podemos observar en el espacio íntimo de Allen.

La tarea de Weide no ha sido nada fácil, ya que durante veinte años ha estado proponiéndole esta idea a Woody Allen y siempre se había encontrado con una negativa como respuesta...

http://www.centroartealameda.cl/cine/1070-woody-allen-el-documental.html

Septiembre, el tiempo suspendido.

Escribe: Julio Diz

Septiembre, accidentado film que, tras ser integramente vuelto a rodar, con cambio de actores incluido, propone una visita a esa cara oculta que en la filmografía de Allen, se alterna, tal vez sin gran exito hasta la fecha, con sus comedias brillantes e ironicas: el film de camara, que transcurre siempre en los limites del drama, si no directamente en los propios terrenos de este.

Septiembre es, justamente, eso que una parte de la crítica suele considerar un "film serio" del realizador neoyorkino, negando de paso el estatuto de seriedad a películas como "Dos extraños amantes", "Zelig" o "Hannah y sus hermanas", sin ir mas lejos. Como en "Zelig", la historia es el origen de la anecdota; como en "Interiores", los personajes se mueven en un universo cerrado fisica y temporalmente. pero también psicologicamente asfixiante.

Toda la poca acción de Septiembre se condensa en una casa de campo y en las horas finales de los ultimos dias de vacaciones. Seis personas, con una vida claramente situada al margen del espacio físico que comparten en ese estival agosto, esperan, entre la angustia y el flirteo, el fin de un período que , como siempre ocurre con las vacaciones, resulta un parentesis abierto. Cuatro de ellas mantienen intereses distintos entre sí. Mientras el profesor de frances Denholm Elliott suspira de amor por la insegura Mia Farrow, esta está enamorada de Sam Waterston, quien a su vez ama a Dianne Wiest, amiga de la Farrow. En el medio, una pareja de viejos dichosos, Elaine Stritch y Jack Warden, estan aparentemente a salvo de los devaneos de Eros, aunque casi desde un principio se comienza a dibujar un polo de tensión entre Stritch y Farrow, madre e hija respectivamente. Así planteada, la película se diría una amable revisitación del universo privado de, por ejemplo. Ingmar Bergman, y de hecho lo es. Hay la misma mirada tierna y ansiosa que contempla el verano que huye (como en "Juegos de verano"), el mismo amor no exento de ironia y hasta, por momentos, distanciamento, que suele mostrar Bergman por sus criaturas y un igual respeto por la forma y los interpretes. Y, como en tantas películas del sueco, también hay aquí un interes casi entomologico por analizar los comportamientos de unos seres que, en el fondo, son solo víctimas de sus debilidades, su mediocridad o sus temores.

A pesar de que la camara de Allen contempla a sus personajes desde un terreno aparentemente neutral, el espectador no tarda en apreciar algunos de los elementos que hacen de Septiembre una de las películas mas medidas y certeras de la amplia filmografía de su autor: un guión sabiamente construido, en el cual destaca el cuidado por los diálogos y la maestría con la cual el realizador-guionista reparte el protagonismo entre sus seis personajes; una capacidad para la adaptación visual del matiz que estaba ausente desde hace tiempo en el cine de Allen (vease la magnífica y pudorosa elipsis visual sobre el primer beso entre Waterston y Wiest: mientras la camara se detiene, en plano fijo, los personajes salen del encuadre y conceden un protagonismo de primer orden a un siempre presente fuera de campo, o el juego de miradas que los personajes establecen entre sí, y que como en el caso de Wiest-Waterston, cobra una dimensión narrativa insospechada), y un cuidado formal irreprochable (empezando por la fotografía de Carlo Di Palma). Todo ello para construir una parábola que se explica en el propio diálogo entre el fisico Warden y el frustrado escritor e historiador Waterston; la misma relativización del tiempo y del caracter fortuito de la historia se hace carne en los microdramas de los personajes, cuya debilidad mayór radica en el extravío de sus deseos amatorios, en sus falsas opciones respecto al objeto de su amor y, en definitiva, en su absoluto desamparo respecto a un universo cuyo principal atributo es la violencia.

En este contexto, la explosión pasional del drama psicologico que la Farrow, antigua asesina, ex-reclusa y convalenciente de un intento de suicidio (que es la excusa misma de la trama) esconde desde hace años, y que atribuye a su madre, queda un poco como el pretexto argumental, o tal vez como el resto de un guión primitivo que, como ya dijimos, fue rehecho para otros actores. Probablemente, la mayor debilidad del guión sea esa atribución inequívoca de historicidad a dos de sus interpretes, caracter que no tiene mayor trascendencia en el resultado final de la película. Bergman ya contó, y mejor, un drama parecido, y mucho más desgarrado y brutal, en su injustamente valorada "Sonata de otoño", vale decir, el enfrentamiento entre una madre egoista que ha sacrificado el amor filial en aras a su arte, y una hija que, andando el tiempo, ha ido acumulando un rencor profundo y sin solución contra su madre. El final de ambos films avala una interpretación en el sentido de un homenaje de Allen a su maestro Bergman.

Ficha tecnica:

Septiembre 1987 (September)

Productora: Orion Pictures

Producción: Jack Rollins y Charles Joffe

Guión y Dirección: Woody Allen

Fotografía: Carlo Di Palma

Montaje: Susan Morse

Reparto: Juliet Taylor

Camara: Dick Mingalone

Dirección artística: Speed Hopkins

Sonido: Dan Sable

Interpretes:

Mia Farrow (lane)

Elaine Stritch (Diane)

Denholm Elliot (Lloyd)

Dianne Wiest (Stephanie)

Sam Waterston (Peter)

Jack Warden

Ira Wheeler

Jane Cecil

Rosemary Murphy

 

 

Fuente: www.elrevisionista.blogspot.com

Woody y la sonrisas, número 13.

Ja ja ja ja ja, riámonos mas...

 

 

 

Fuente: Extraído de Woody Allen, un libro de humor, número 1, Editorial Nueva Imagen, Mexico 1980.

Disparos sobre Broadway, el musical.

Woody Allen, enfrentado con los actores del musical «Disparos sobre Broadway»

Woody Allen y varios actores del reparto de «Disparos sobre Broadway», el musical basado en la película del cineasta neoyorquino, se encuentran enfrentados. El motivo, el número final, «Yes! We Have No Bananas»; según el New York Daily News, varios miembros del elenco consideran que ese número estropea el espectáculo. «La canción no tiene ningún sentido -ha dicho uno de los intérpretes-; confunde a los espectadores». Woody Allen, por su parte, se niega a que el número se retire del montaje.

«Disparos sobre Broadway» se encuentra ahora en los previos; su estreno oficial será el próximo 10 de abril. Basado en la película de Woody Allen de 1994, el musical cuenta con libreto del propio cineasta; la dirección es de Susan Stroman («Los productores») e incluye una serie de canciones de los años veinte y treinta del siglo pasado. El propio Allen, en unas declaraciones recogidas por la revista New Yorker, aseguró que el espectáculo era en un 95 por ciento de Susan Stroman, reconociendo su participación en el musical más allá de la creación del libreto.

Precisamente, el guión de «Balas sobre Broadway» cuenta las injerencias y las exigencias del productor de una obra de teatro que ha colocado a su amante en el reparto con un importante papel. Woody Allen no participa en la producción, pero sí ha dejado claras, según la publicación, sus condiciones para el estreno de la pieza.

Fuente: http://www.abc.es/cultura/teatros/20140325/abci-woody-allen-balas-sobre-201403251347.HTML

Woody en Buenos Aires.

Una muestra en Buenos Aires venera a Woody Allen en medio de la controversia


Por: Agustina Ordoqui aordoqui@infobae.com


El cineasta vive momentos de gloria y, en simultáneo, de rechazo mundial.
Nominado a los Oscar, su figura fue salpicada por acusaciones de abuso sexual.
En el Centro Cultural Borges, el artista Hugo Echarri enseña su mejor faceta

Oportuna –o inoportuna -, la muestra Queremos tanto a Woody, del artista argentino Hugo Echarri, desembarcó en el Centro Cultural Borges en un momento excepcional. Llega cuando el mundo de cine reconoce, una vez más, la trayectoria de Allen con un Globo de Oro y una nominación a los premios Oscar. Abre sus puertas también cuando se desata un intenso debate mundial acerca de la inocencia o culpabilidad del director por el supuesto abuso sexual de su hija adoptiva.A principio de mes, Dylan Farrow relató habría sido violada por su padre a los 7 años. Si bien el caso había sido desechado en los tribunales, nunca antes se había escuchado el testimonio en primera persona de la joven, que hoytiene 28 años. Allen no tardó en responder y acusar a su ex pareja, Mia Farrow, de conspirar en su contra.

La controversia, sin embargo, no parece haber calado demasiado hondo en los seguidores del cineasta: la exhibición inaugurada el pasado 6 de febrero ya recibió alrededor de 10.000 visitantes.

"Lo único que realmente está probado de Woody es su obra", explica Echarri en diálogo con Infobae.

Curada por Diana Saiegh con la colaboración de Virginia Fabri, la exposición está compuesta por 25 pinturas y videoinstalaciones; todas ellas, basadas en la filmografía de Woody Allen. Para confeccionarla, Echarri seleccionó una veintena de películas –como Bananas, Annie Hall y Manhattan- y extrajo fotogramas digitalmente.Luego, los pasó con óleo o acuarela a papel, tela o PET, una plancha de acrílico que permite que la pieza se pueda ver de ambos lados. El sello personal de Echarri se distingue por la intensidad de los colores que eligió para reconvertir los films en cuadros artísticos. En el caso del material audiovisual, Echarri agregó su propia música como condimento extra.

"Soy un gran admirador de él. Quise hacer un homenaje al cine y elegí a Woody por su larga trayectoria", afirma este artista recordado por Plegarias del Gauchito Gil, una muestra pop del ícono popular que se inauguró también en el Borges en 2013.

-En esa extensa carrera, Woody Allen tuvo sus altibajos; películas que gustaron más o menos que otras, ¿cuáles son sus favoritas, las que más lo marcaron a la hora de hacer esta exposición?

-Woody es un director que hace cantidad mezclando con calidad. Si tengo que elegir,Manhattan, La rosa púrpura del Cairo, Annie Hall, Hannah y sus hermUna muestra en Buenos Aires venera aWoody Allen en medio de la controversiaanos y la más reciente Blue Jasmine, que me pareció muy
interesante y profunda porque bucea en la caracterología psicológica de los personajes dentro de un medio ambiente político y social.

-¿Tuvo la oportunidad de mostrarle su trabajo?

-Es algo que me gustaría y estoy estableciendo el contacto. Quisiera llevar, además, la colección a Nueva York, que es la aldea que Woody nos pinta en su obra. Ya estamos en las primeras etapas de negociación.

-¿Las acusaciones de abuso sexual contra Allen cambiaron su imagen sobre él?

-No; siento simpatía por él, como la siento por cualquier músico, artista, poeta o director de cine que nos regala su trabajo. El hecho desde el punto de vista judicial no está probado, pero lo que sí está probado es su obra.

Queremos tanto a Woody se puede visitar en el Centro Cultural Borges, de forma gratuita, hasta el 6 de marzo. La muestra llegará al interior del país durante este año.


Fuente: http://www.infobae.com/2014/02/15/1543625-una-muestra