Woody y la risa, número 8.

Nos reimos una vez más, logicamente junto a Woody.

 

 

 Fuente: Woody Allen, un libro de humor (1), Editorial Nueva Imagen, Mexico, 1980.

¿Cuántas veces cabe Woody en Allen?

“Zelig” transforma al cómico en un camaleón.

 

Gordo entre gordos, negro entre negros, plumoso entre indios, gangsters entre gangsters: “Zelig” –personaje del título de gran éxito de Woody Allen- parece haber encontrado en un sorprendente mimetismo la clave de la vida social. La película fue aclamada por la prensa norteamericana y recibida con halago pero sin estridencias por el mismo Woody, que ya prepara otro film, mientras rinde culto al jazz tocando en los sótanos de Manhattan. Ese nuevo trabajo suyo será también en blanco y negro y él lo definió como “una pequeña comedia humana”: por ahora, el título elegido es “Broadway Danny Rose” y se ignora quienes serán los integrantes del reparto.

 

Woody Allen vuelve a saborear –sin empalagarse, con ese otro mérito de su inteligencia- las mieles del éxito. La crítica norteamericana puso por las nubes su última película, Zelig, considerada como un nuevo pulimento (no puede hablarse de culminación en un creador tan activo) de su estilo personalísimo. Woody, como siempre, asiste al nuevo éxito con esa impasibilidad un tanto perpleja con que vive cada logro de su carrera. Nunca pareció enrolado –y Zelig no es la excepción- en las ansiedades de un mercado casi siempre cruel, que suele medir el talento en cantidad de entradas vendidas. Este genio tímido y elusivo, cargado de complejos e inseguridades, que encontró la mejor terapia en su cine (“hace 20 años que me analizo y no he mejorado demasiado. Es más, mi analista murió hace cuatro años y yo ni siquiera me di cuenta”, ironizó hace poco) asume cada rodaje con una perspectiva muy intimista. Su humor apunta a blancos de la realidad contemporánea, pero tiene como víctima esencial al mismo Woody Allen. En cualquiera de sus films –desde Robó, huyó y lo pescaron a Sueños de seductor o Manhattan- el personaje central es, intrínsecamente, un perdedor nato que camina angustiado por la cornisa procurando no caer…  o caer de la manera menos ridícula posible.

Y acaso Zelig, en sus discretos ochenta y cuatro minutos de duración, signifique el hallazgo salvador para anular tantos sobresaltos: mimetizarse de golpe con el interlocutor hasta semejar un doble suyo. Interpretado por Woody Allen, Zelig se vuelve gordo entre gordos, le nacen plumas cuando está entre indios, y al pisar la ciudad de Chicago se torna oscuro, temible como un gangster del cine negro… y luego negrísimo entre achocolatados músicos de una orquesta de Jazz. La sociedad no tarda en consagrar a este camaleón como una celebridad, puesto que es símbolo de todos. Como en otras películas de Woody, una mujer (la psiquiatra Eudora Fletcher, que encarna Mía Farrow) es a la vez causa y oasis de sus desdichas.

La película está ambientada en los años 20 e incluye una serie de documentales de la época y entrevistas a conocidos intelectuales contemporáneos, como Susan Sontag, Saúl Bellow, Bruno Bettleheim e Irving Nowe. Estos aportes actuales le otorgan a la historia una curiosa dosis de realidad, dentro de su disparatado esqueleto argumental.

“El cine es un medio tan envolvente, técnica y financieramente –comentó W.A. luego del estreno de Zelig- que uno tiende a echar toda la carne en el asador en las primeras películas y eso fue lo que yo hice con la comicidad. Cuando empecé a crear mi propia técnica y no tuve que preocuparme por subsistir, quise expresarme de un modo más personal. Después del éxito de Annie Hall (Dos extraños amantes) me sentí con fuerza suficiente para hacer Interiores y cuando Manhattan triunfó, quise insistir con Stardust Memories (Recuerdos)”.

Woody Allen ya está trabajando nuevamente. Se trata de un film que habrá de titularse Broadway Danny Rose y que solo ha sido definida por él mismo como “una pequeña comedia humana en blanco y negro”. También Zelig prescinde del color y es evidente que –como los buenos fotógrafos- Allen ha comprendido que el viejo, nostalgioso blanco y negro otorga una atmósfera única, nunca accesible para la película cromática. Cuando deja de trabajar, este neoyorkino empedernido que jamás se permitió considerar a otra ciudad del mundo como medianamente habitable, continúa brindando sus conciertos de jazz en los más venerables “agujeros” de Manhattan. Quizás, otro lenguaje para seguir contando su vida.

 Fuente: Diario Clarín, Buenos Aires, jueves 28 de julio de 1983.

Que pasa Tiger Lily?, una rareza para incondicionales.

 

 

Seguimos con el especial dedicado a la extensa y estimulante carrera de Woody Allen con otro título que él desearía borrar de su filmografía. Aunque quedó muy decepcionado con la experiencia de ‘¿Qué tal, pussycat?’ (‘What´s New, Pussycat?’, 1965), el éxito comercial del film le proporcionó (un sustancioso cheque y) una nueva oportunidad para demostrar su talento en las salas de cine. ‘Lily la tigresa’ (‘What’s Up, Tiger Lily?’, 1966), también conocida como ‘Woody Allen: El número uno’, figura incorrectamente en algunos sitios como su debut en la dirección.

El propio aparece brevemente en la película para explicar al público cuál ha sido sido su labor (cuenta que en Hollywood querían hacer la película de espías definitiva, y como es lógico le llamaron a él para conseguirla…); todo se resume en haberse encargado del doblaje de una película japonesa que imitaba a su manera el estilo de las aventuras de James Bond, para lograr una comedia con diálogos en inglés totalmente inventados, sin relación con el guion original. De hecho, en los créditos iniciales, no aparece el clásico “directed by” o “written by” sino “aided & abetted by Woody Allen”, es decir, que fue cómplice de una inusual fechoría que solo tiene algún valor para incondicionales del cineasta.

 

 

Tras esta “brillante” idea se encuentra el productor Henry G. Saperstein, de American International Pictures, que había comprado los derechos para distribuir ‘Kokusai himitsu keisatsu: Kagi no kagi’ (1965) en Estados Unidos pero no sabía cómo venderla para sacar el máximo provecho. Así que se le ocurrió contratar a Allen —que, recordemos, en ese momento era un famoso cómico— para que transformara la película, que luego sería envuelta como si se tratara de algo similar a la taquillera ‘¿Qué tal, pussycat?’. Allen aceptó el reto y se reunió con un grupo de amigos —entre ellos su segunda mujer, la actriz Louise Lasser— para crear nuevos diálogos y convertir una disparatada trama de espías, asesinos a sueldo, jefes con rebuscados planes malignos y bellezas fáciles de seducir en una parodia de este tipo de historias todavía más delirante.

El protagonista, ahora llamado Phil Moskowitz, es un “bufón lascivo” que “siempre piensa en el sexo” y que trabaja como agente secreto para una organización que vela por la seguridad internacional. Phil se ve envuelto en una complicada trama cuando intenta llevar a la cama a una de las dos hijas del soberano de Raspur, “un país irreal que suena auténtico” (aclara que podrán fundarlo en cuanto haya un hueco en el mapa). Este señor explica a Phil que necesita su ayuda para recuperar la receta de la mejor ensalada de huevos duros del mundo (en la versión original es el típico microchip) porque quien la tenga dominará el cielo y la tierra, según una vieja leyenda. El protagonista, con la ayuda de las encantadoras hermanas, intenta llegar hasta el malvado jefe yakuza Shepherd Wong pero una peligroso clan rival que también quiere la valiosa receta se cruza en su camino, creándose una forzada colaboración.

 

 

Suena divertido pero hay varios problemas. En primer lugar, el montaje final no fue aprobado por Woody Allen, que intentó impedir el estreno. Él entregó un trabajo y luego la productora lo alteró como quiso, añadiendo escenas de acción de otra película —con los mismos protagonistas: ‘Kokusai himitsu keisatsu: Kayaku no taru’ (1964)— y extractos de un aburrido videoclip de un grupo de moda, The Lovin’ Spoonful, simulando que tocaban en los clubes que aparecen en ‘Lily la tigresa’; todo por asegurar un buen dinero en taquilla (cosa que lograron). A estas desafortunadas decisiones hay que sumar el mediocre material original y las obvias dificultades de alterar los diálogos para meter un chiste tras otro, lo que acaba resultando cansino.

Aun así, Allen no deja pasar la oportunidad de lucir su gran talento para el humor absurdo y consigue crear algunos momentos desternillantes (“No me diga lo que tengo que hacer o haré que mi bigote se coma su barba”). Son pocos, aislados, pero puede ser suficiente en las circunstancias adecuadas (con alguna cerveza de más y en compañía de amigos con risa contagiosa es la mejor opción) o si uno es un gran admirador del neoyorquino; de lo contrario los 80 minutos pueden hacerse eternos. Y si os ha picado la curiosidad y queréis verla, que sea con el doblaje en inglés, en España sintieron la necesidad de hacerse los graciosos y volvieron a cambiar gran parte de los diálogos, con un resultado muy inferior.

 

 

 

 

Fuente: Portal Blog de Cine.

Photo Gallery: Crimenes y pecados (1990).

Delitos y faltas (Crimenes y pecados), (Crimes and Misdemeanors) en su titulo original,  se rodó en 1989 durante diez semanas.

"Crimenes y pecados es una tragedia moderna suavizada con comedia, un Shakespeare para los noventa", dijo Martin Landau.


Fotos por Brian Hamill.

Joanna Gleason y Alan Alda

Alan Alda

Mia Farrow

Jerry Orbach y Martin Landau

 

Martin Landau

Angelica Huston y Martin Landau

Claire Bloom y Martin Landau

Angelica Huston

Alan Alda y Mia Farrow

Woody y Mia Farrow

Fotos extraídas de la edición impresa del guión de Crimenes y Pecados, Cuadernos infimos 138, Tusquets Editores.

Larga vida al genio Woody.

 Por Soledad Torrero

Woody Allen: A Documentary,  de Robert B. Weide.  USA, 2012.

 

“Mi relación con la muerte sigue siendo la misma: estoy fuertemente en contra” Woody Allen, conferencia de prensa Conocerás al hombre de tus sueños (You Will Meet a Tall Dark Stranger, 2010), Festival de Cannes 2010

Directa o indirectamente todo fan de Woody Allen ha fantaseado alguna vez con un documental sobre el director neoyorkino. Todos deseamos encontrar una forma de homenajearlo y de agradecerle por todas las emociones que nos ha brindado con su vasta filmografía.

 

La obra de Robert B. Weide, Woody Allen: A Documentary, deja satisfechos a sus adeptos porque es un documental muy afectuoso, cálido, que intenta, en todo momento, acercarnos y entender al indiscutido genio Woody. Pero por otro lado, no profundiza demasiado en el análisis de su filmografía, ni tampoco en temas espinosos, como por ejemplo, el escándalo que vivió durante la separación de Mia Farrow.

 

En dos partes, que suman más de tres horas, Woody Allen: A Documentary nos mantiene entretenidos y no aburre para nada. Tiene, sin embargo, una estructura clásica dónde se van intercalando diferentes entrevistas (incluyendo también las realizadas a Woody Allen) con cortes de sus films, fotos de su niñez y referencias biográficas. Los testimonios son brindados por las personas más diversas: principalmente actores y actrices que trabajaron con él, pero también productores, directores de cine, miembros de su familia, profesores, críticos de cine, biógrafos y hasta un sacerdote.

 

En los primeros minutos, luego de meternos de lleno en la cotidianeidad de Allen, viéndolo en un hotel revisando sus ideas plasmadas en papelitos, Robert B. Weide hace una selección de testimonios donde distintas figuras aportan características del director. Esta introducción es un excelente resumen del film, y una forma muy hábil para mantenernos atentos con ganas de seguir viendo y conociendo más a Woody. Entre estos cortos comentarios, mi favorito es el de Martin Scorsese: “No todos tienen la capacidad de resistencia, no todo el mundo tiene la tenacidad, y no todo el mundo tiene mucho que decir”.

 

Luego se nos revelan historias de su familia y niñez, como por ejemplo que sus padres querían que fuera un farmacéutico y no estaban contentos con su participación en el mundo del espectáculo. Su nombre real es Allan Stewart Konigsberg, y su padre nunca dejó de llamarlo Allan. Dicho por el mismo Woody Allen: él siempre fue un niño feliz, hasta que a los cinco años se dio cuenta de su mortalidad y ahí su carácter cambió completamente.

Está muy bien explicado el proceso que derivó en el director de cine que conocemos todos. Su talento para escribir y su inagotable humor lo acompañaron desde muy joven, y ya de adolescente en la escuela secundaria comenzó a redactar bromas para los periódicos. En ese momento surgió el nombre Woody Allen y sus característicos anteojos. De forma muy natural lo fueron contratando para escribir en distintos programas cómicos de radio y televisión. A los diecisiete años ya era un escritor exitoso, y a partir de ese momento nunca le faltó trabajo. Gracias a sus primeros productores, Jack Rollins y Charles Joffe, se fue animando a actuar como comediante y no restringirse solamente al rol de escritor.

Luego de una experiencia negativa con el guión de ¿Qué tal, Pussycat? (What’s New Pussycat, Clive Donner, 1965), decidió que a partir de ese momento iba a dirigir él mismo todos los films que escribiera.

El documental hace hincapié en algo que sabemos, pero no nos detenemos a pensar. Woody Allen ha sido famoso durante cuarenta años, presentando un film por año sin interrupción. Algunos mejores, otros peores, siempre sus films tienen algo bueno para darnos. Su alta productividad es de otra era, en una entrevista se la compara con la de John Ford en los años treinta. El crítico y director F. X. Feeney concluye con optimismo que Woody Allen nos brindará un film por año hasta cumplir la edad de 105, considerando que su padre vivió 100 años y su madre 96.

Algunas excentricidades simpáticas, por ejemplo que Allen sigue escribiendo en una máquina de escribir que compró en su adolescencia. Para hacer copy & paste se vale de una tijera y una abrochadora.

También se explica bastante bien la relación que tiene con los actores. Todo actor desea trabajar con él, y cuando finalmente tienen la oportunidad, la responsabilidad es tan grande que indefectiblemente dan lo mejor de sí. Woody Allen también parece tratarlos siempre con mucho respeto, y su contacto es directamente con el actor y no a través de agentes. Si Woody está interesado en convocar a un actor, le envía una nota y el guion del film de forma secreta para que evalúe la propuesta. Ninguno de los actores entrevistados rechazó la oferta, la aceptaron, en cambio, como un sueño hecho realidad.

Un quiebre importante en su filmografía se dio cuando empezó a realizar dramas, después de haber hecho por años comedias, estrenando Interiores (Interiors, 1978), Manhattan (1979) y Recuerdos (Stardust Memories, 1980). En una entrevista explica que le atrae más el drama, pues lo ve indefectiblemente como algo más serio.

Otro punto de inflexión en su carrera fue conocer a Diane Keaton. Después de escribir siempre sus guiones bajo la mirada del hombre, comenzó a escribir desde la perspectiva de las mujeres. En La comedia sexual de una noche de verano (A Midsummer Night’s Sex Comedy, 1982), Mia Farrow comienza a participar en sus films. Ella muestra una versatilidad tan grande que Woody Allen comienza a escribir papeles muy diversos a medida de la actriz.

 

Quizás esperábamos un documental de alguien más cercano al director o de un peso más pesado del cine. Robert B. Weide ha filmado al momento una sola ficción (Nueva York para principiantes/How to Lose Friends & Alienate People, 2008), otros documentales sobre cómicos americanos, mayormente para la televisión, pero es más que nada conocido por su exitosa serie Larry David (Curb your Enthusiasm, 2000). De todas formas, el grado de confianza y comodidad que muestra Woody Allen en las entrevistas, y las intimidades que comparte, nos dan la tranquilidad de estar viendo una obra hecha de forma cuidadosa, minuciosa, respetuosa sin lugar a dudas y, además, entretenida.

 

 

Fuente: Portal El espectador imaginario, http://www.elespectadorimaginario.com/woody-allen-documentary/

Vicky Cristina Barcelona.

No falla: pones Canal + y a los cinco minutos (o de forma inmediata) aparece esta actriz a la que muchos no soportan, a la que bastantes envidian, y a la que pocos respetan. Penélope Cruz (o Penélope “Crus” para los yanquis, o Pe para los amigos, o Pene para los que no la soportan…) está en lo que se suele llamar la cresta de la ola. Lleva instalada ahí un par de años, y parece que la fortuna, de momento, no la abandona. Ha sido un largo camino, que ha requerido mucho trabajo (eso nadie se lo puede negar, lo currante que es), mucho sacrificio, abandonar España, luego volver, luego marcharse de nuevo. Es más que una actriz, es una estrella. Un icono, casi, de esa estupidez llamada Glamour.

Siendo la única actriz española que ha logrado una envidiable estabilidad en el seno de Hollywood, siendo una mujer de estimable atractivo, y una intérprete con bastante talento, nadie podía imaginar, cuando hace dos décadas comenzaba su andadura cinematográfica, que llegaría tan lejos, que sería tan famosa y tan universal. Este grado de fama, sin embargo, no va exactamente parejo (por decir algo) con el legado artístico que está construyendo, salvo algunos papeles a los que ella sabe dotar de una estimulante vida, al margen de la calidad intrínseca de los proyectos en los que participa.

Una carrera meteórica…aún en la anémica industria española

Desde que era una adolescente sin preparación artística alguna, Cruz tenía como sueño llegar a convertirse en una chica Almodóvar. Y no tardó mucho tiempo en convertirse en actriz, en lo que ayudó su rostro amable y su actractivo físico,para debutar en pantalla con el famoso videoclip de Mecano ‘La fuerza del destino’, que puede considerarse su primera aparición profesional (y tras la que inició una relación con Nacho Cano, y una extraña costumbre de entablar relaciones íntimas con sus compañeros laborales). Gracias a este trabajo, accedió a la presentación de ‘La quinta marcha’, en televisión.

Pero 1992 fue el año en que esta muchacha, que por entonces contaba con 18 años, se instaló en la retina de muchos espectadores con dos papeles estupendos en dos películas españolas importantísimas: ‘Jamón, Jamón’ (de Bigas Luna, en la que además de descubrirla a ella, también hacía lo propio con Javier Bardem y Jordi Mollá) y ‘Belle époque’ (de Fernando Trueba, otro director muy importante para su carrera).

De este modo, y durante los años noventa, Cruz se fue curtiendo como profesional y como aspirante a gran estrella femenina, aunque los títulos en los que intervenía no fueran, la mayoría, especialmente interesantes: ‘Todo es mentira’, ‘Entre rojas’, ‘El efecto mariposa’, ‘Brujas’, ‘Más que amor frenesí’... Parecía condenada a convertirse en una actriz atractiva pero de carrera insulsa, hasta que llegó su estupendo papel de ‘El amor perjudica seriamente la salud’, y sobre todo el de ‘La niña de tus ojos’, de nuevo bajo las órdenes de Fernando Trueba. Podemos considerar que Penélope Cruz se hace actriz completa en esa divertida, aunque irregular, película. Se llevó el Goya con todos los merecimientos y calló muchas bocas que proclamaban que sólo era una cara bonita.

Un año antes había cumplido su sueño de ser una “chica Almodóvar”, con un pequeño pero deslumbrante papel (sus mejores trabajos suelen ser pequeños y estimulantes) en la sosa y absurda ‘Carne trémula’. Pero ya Cruz estaba con pie y medio en Hollywood. El mismo año de ‘La niña de tus ojos’, tiene lugar su aportación más importante a una película eminentemente norteamericana, ‘The Hi-Lo Country’, aunque se trata de un filme muy poco interesante y su papel muy menor. Pero no tenía intención de quedarse ahí, ni mucho menos.

Una década llena de altibajos…pero en Hollywood

El primer papel protagonista de Penélope Cruz en Estados Unidos no podía ser otro que el de la estúpida ‘Woman on Top’. Un papel hecho a medida para no arriesgar mucho: latina simpática y extrovertida en una comedia romántica, para una película de bajo presupuesto destinada a ser carne de videoclub. Cruz entró por la puerta de atrás, y durante muchos años, seis, participó en productos completamente olvidables, que nada añadían a su carrera, y por los que la crítica española y europea la masacraron. No era para menos. Su bagaje de la primera mitad de la pasada década es bochornoso: ‘Woman on top’, ‘All the Pretty Horses’, ‘Blow’, ‘La mandolina del capitán Corelli’, ‘Vanilla Sky’, ‘Waking Up in Reno’, ‘Masked and Anonymous’, ‘Gothika’, ‘Head in the Clouds’, ‘Noel’, ‘Sahara’, ‘Cromophobia’, ‘Bandidas’.

Nada menos que trece películas norteamericanas en seis años (y multitud de géneros), a las que hay que sumar la española ‘Sin noticias de Dios’, de Agustín Díaz Yanes, la francesa ‘Fanfan la tulipe’, de Gérard Krawczyk, y la italiana ‘Non ti muovere’, de Sergio Castellito, por la que recibió parabienes bastante merecidos, porque por primera vez en bastantes años volvía a ser actriz. Pero este enorme esfuerzo (ya hemos dicho que lo que nadie puede negarle es su capacidad de trabajo), no se veía compensado ni por prestigio ni por buenos papeles (además de que, en la mayoría de ellas, Cruz está bastante forzada, extraña, o directamente interpreta mal). Realmente, parecía que Nunca Jamás en Hollywood podría triunfar verdaderamente, y que se vería recluida, como Antonio Banderas desde que trabaja al otro lado del charco, a un estrellato de segunda categoría y a papeles en su mayoría sin interés.

Cruz parecía resignada a trabajar sin descanso a la espera del gran papel que la redimiera. Pero tuvo que llegar de la mano de Pedro Almodóvar, porque ningún director importante (no, John Madden no lo es…) tenía intención de incluirla en una buena película. ‘Volver’ significa muchas cosas, para Almodóvar y para Cruz. Pero sobre todo significa que Cruz es buena actriz, y que puede ofrecer caracteres de enjundia. No creo que esté excepcional, pero el papel le va perfecto. Le debe mucho Cruz a Almodóvar. Le debe casi tanto como a Bigas Luna. Y lo sabe.

Donde dije ¡Pedro! digo ¡Oscar!

La nominación a mejor actriz principal por ‘Volver’ significó casi tanto como llevarse la estatuilla. De pronto, a nadie le importaba la docena larga de películas olvidables que había hecho. De pronto, Cruz parecía una estrella rutilante del panorama norteamericano. Parecía más mayor, más madura. No tenía ninguna posibilidad de ganarlo, y lo sabía. Pero, de pronto, parecía un cruce entre Sofía Loren y Audrey Hepburn (qué inteligentes han sido sus asesores de imagen…) y le importaba poco no llevarse el Oscar. Ya lo había logrado, estaba ahí...

Y la llamó Woody Allen (ya no recuerdo a cuántas actrices ha ayudado este hombre a lograr el Oscar a mejor secundaria…), e hizo con ella su peor película hasta la fecha. Y la reunió con Javier Bardem, su pareja de ‘Jamón, Jamón’ (el mundo es un pañuelo), que ya había protagonizado la peor película de los Coen hasta la fecha, y la peor película de Michael Mann, y la de Milos Forman (un portento). Posiblemente Cruz sea lo mejor, lo más divertido y refrescante, de ‘Vicky Cristina Barcelona’. Pero eso no es difícil, porque el conjunto es tan soso, tan falto de gracia, que a Penélope le basta con poner la tercera marcha para encandilarnos a todos y despertarnos de nuestro sueño en la butaca.

Si como principal no tenía ninguna posibilidad, como secundaria, y con la fabulosa campaña de promoción que le fabricaron, las tenía todas, o casi. Un ligero exabrupto de sorpresa se percibió cuando la nombraron para recoger al calvo dorado: no las tenía todas consigo. Pero ya es la primera actriz española en conseguir un Oscar, junto a su pareja Javier Bardem (después de sus relaciones con otros compañeros de reparto: Tom Cruise, Matthew McConaughey, Matt Damon…), que es el primero en ganar un Oscar. Y ahora, tras la tibia acogida de ‘Los abrazos rotos’, vuelve a estar nominada en esa categoría por ‘Nine’. ¿No es un poco injusto? ¿No había otra para completar las cinco nominadas? Ella ya tiene uno y no le van a dar otro. Hay que ver lo poderosas que son las campañas de marketing y los grupos de presión.

Ahora ya forma parte de Nunca Jamás. Y más aún si consigue participar en la cuarta de ‘Piratas del Caribe’. Lo ha conseguido. Pero está por ver que consiga hacer buenos papeles sin un gran director detrás.

Fuente: Portal Blog de cine, http://www.blogdecine.com/fichas/comedias/vicky-cristina-barcelona

Woody y Mauricio.

Por Quintin

La semana pasada hice dos cosas inusuales. Fui a ver la última película de Woody Allen y voté por Macri. Creo que ambos actos están relacionados de algún modo. Yo antes era progresista y también era un crítico hard. Por lo tanto, no se suponía que viera a Woody Allen ni que votara por Macri. Pero los Kirchner han logrado despegarme del progresismo y una larga abstinencia del cine comercial me hizo darle una oportunidad a Allen y rever la decisión de no ver más películas suyas.




Mauricio Macri

Después de cometer esos actos que mi yo anterior juzgaría como imposibles o vergonzosos, se me ocurrió que hay algunas cosas en común entre Medianoche en París y la campaña del PRO. Ambas son ligeras, coloridas, optimistas, simplificadoras y nadie se las toma en serio. En particular los globos, los bailecitos de los candidatos, los llamados del PRO al diálogo y la tolerancia no significan mucho; apenas llenan un vacío como la música de los ascensores: elegidos y electores aceptan la convención de que algo hay que decir aunque sea hueco. Pero aunque uno no le crea al PRO ni al FpV, la pronunciada preferencia del primero por lo superfluo contrasta con la carga dramática de la propaganda kirchnerista, sustentada en la agresividad y el culto de los muertos. El PRO, en cambio, hace campaña en tono de comedia.


Woody Allen también hace comedias. Y ni siquiera hace comedias serias. Si alguna vez intentó ser el Bergman neoyorquino, hoy se conforma con ilustrar tarjetas postales. Medianoche en París es posiblemente una de sus películas más ñoñas, más decorativas. Owen Wilson (un actor que imita al Woody Allen joven) es un guionista de cine exitoso que viaja a París con su novia y sus futuros suegros, una insoportable familia de millonarios. Pero Owen (como Macri, tal vez) se aburre un poco de los millonarios y entra sin querer en otro juego: cada noche se transporta mágicamente a la década del veinte y allí se encuentra con artistas famosos como Hemingway, Scott Fitzgerald, Gertrude Stein, Picasso, Matisse, Dalí, Buñuel, Cole Porter... Las palabras de esos maestros, especialmente las de Hemingway (su Duran Barba), lo terminan convenciendo de que debe mudarse a París, buscarse otra novia y dedicarse a la ambiciosa disciplina de escribir novelas antes que a proveer a Hollywood de materiales descartables (nótese la similitud con Macri, quien harto de Boca Juniors y de su familia se dedica a la política).

Woody Allen

La idea del cine de Woody Allen no es como la de Pino Solanas: nunca se le ocurriría hacer un cine militante. Ni tampoco es como Glauber Rocha (ver nota de tapa), tan rico, tan experimental, tan cargado de contradicciones. El de Allen es un cine en el que las ideas son sencillas, se expresan en tono amable, mediante frases trilladas y de efecto seguro. Y las contradicciones se disuelven en una ligera nostalgia que nunca empaña del todo la aceptación del mundo como es. En todo caso, su destreza consiste en hacer creíble esa mirada simplificadora, en volver verosímiles escenas absurdas como aquellas en las que el protagonista dice por enésima vez: “¡Oh, pero si es T.S. Eliot, no puedo creerlo!”. Pero tampoco se trata exactamente de credibilidad: el realizador y los espectadores saben que todo es falso y un poco tonto. Pero a los dos les gusta compartir el juego, simular que el cine no da para apuestas más arriesgadas y disfrutar de las fotos de París, de las chicas lindas y del arte como un capital que puede proveer una compañía más duradera que las joyas.

Pero, ¿qué otra cosa es la política del PRO sino esa complicidad que ha logrado Macri con sus votantes, la de convencernos de que no nos va a molestar si no le conviene, que no nos va a tratar de asquerosos y tenderos, que no nos va a agredir en nombre de supuestas revoluciones?


Fuente: Diario Perfil. 
http://www.perfil.com/ediciones/2011/8/edicion_597/contenidos/noticia_0018.html

Woody Allen estrenará obra en Broadway junto a Ethan Coen y Elaine May.

Por Gerónimo Elortegui

Woody Allen se unirá a Ethan Coen (uno de los exitosos miembros de la más conocida pareja de hermanos del cine independiente) y a la ya legendaria guionista Elaine May para una creación que podrá verse en el Off Broadway. Se trata de una obra dividida en tres pequeñas piezas escritas por cada uno que se estrenará antes de fin de año. Woody contó que escribió la obra en cuatro semanas y que están haciendo las audiciones para elegir el elenco de seis personajes.

El título del espectáculo será “Relatively speaking” y según declaró el cineasta a The New York Times es una comedia, “buscamos las risas, no la redención de los valores sociales”. Mientras que la pieza de Woody Allen se llama “Honeymoon Hotel”, la de Ethan Coen llevará por título “Talking cure” y la de Elaine May se llamará “George is dead”. Los tres autores tienen ya experiencia en el distrito teatral neoyorquino.

Allen ya colaboró con May y David Mamet en otra ocasión, con una obra estructurada de la misma forma titulada “Death defyinig acts” que se mantuvo en cartel casi durante un año. El estreno de estas tres obras por el precio de una está previsto para octubre de este año, aunque las primeras funciones tendrán lugar en septiembre. La producción de la misma estará a cargo de Julian Schlossberg y la hermana de Allen, Letty Aronson. La dirección correrá por cuenta del actor John Tuturro, en su debut en esta función en los escenarios.

Fuente: Portal Woody Allen Web, http://woodyallenweb.wordpress.com/

A reirse con Woody, número 7

ja ja ja ja ja ja...

Fuente: Woody Allen, un libro de humor (1), Editorial Nueva Imagen, Mexico, 1980.

Los films de Woody: "Un misterioso asesinato en Manhattan", risa segura.

Una de las mejores comedias del genial Woody Allen

Por  Juan Luis Sánchez

Una de las películas clave de la filmografía de las últimas décadas del cineasta neoyorquino Woody Allen. 

 

 

 

Tras sus ligeras, pero divertidas comedias iniciales, Woody Allen se consagró definitivamente como cineasta a tener en cuenta, a finales de los 70, con "Manhattan"(1979) y "Annie Hall" (1977), que combinaban elementos humorísticos, con un fondo dramático y reflexivo, con el que su cine ganó en profundidad. Cuando parecía haber caído en una etapa de decadencia, Woody Allen inició una segunda edad de oro, a partir de "Maridos y esposas" (1992), y sobre todo de "Un misterioso asesinato en Manhattan" (1993), una de sus comedias más divertidas.

Cineasta cuyas películas combinan frescura con originalidad, lo cierto es que Woody Allen siempre ha reconocido su pasión por los clásicos del cine, que le hicieron soñar con convertirse algún día en cineasta, cuando era un niño que acudía a los cines neoyorquinos.

 

Homenajes a clásicos

Aunque suele hablar casi siempre de sus influencias europeas, y considera como sus más claras referencias a dos maestros del viejo continente, Ingmar Bergman y Federico Fellini, en "Un misterioso asesinato en Manhattan" rinde homenaje a varias películas estadounidenses. El argumento tiene numerosos puntos de conexión con "La ventana indiscreta", filmada en Hollywood por el británico Alfred Hitchcock.

En aquella obra maestra, L. B. Jeffries, un fotógrafo convaleciente que espiaba a sus vecinos por la ventana, sospechaba que uno de ellos había matado a su esposa. Decide investigar el asunto con ayuda de Lisa, su novia. En el film de Woody Allen, Carol Lipton involucra a su esposo, Larry, en la investigación del supuesto homicidio de una madura mujer, que según sus sospechas ha sido asesinada por su marido. En ambos films hay un anillo que se convierte en una pista decisiva.

 

La huella de Welles y Groucho

Es sencillo encontrar en este film de Allen homenajes a otros clásicos del cine estadounidense. La excelente secuencia del clímax final, una de las mejores del cine Allen, se desarrolla en un laberinto de espejos similar al del final de "La dama de Shanghai", que se encuentra en la parte trasera de un cine donde se proyecta este clásico de Orson Welles.

Por otro lado, está presente la huella del ingenioso Groucho Marx, en los impagables diálogos de Woody Allen, en plena forma en esta ocasión: "No puedo escuchar a Wagner durante mucho tiempo, me entran ganas de invadir Polonia".

Cambio de actriz protagonista

Llama la atención que mientras en la vida real su matrimonio con Mia Farrow acababa en el más absoluto de los desastres, al iniciar Allen una relación con Soon-Yi, hasta entonces su hija adoptiva, en la película el cineasta se muestra más esperanzador que de costumbre.

Sus protagonistas, casados durante largo tiempo, atraviesan una situación de hastío que logran superar cuando acometen una empresa en común: una investigación criminal. Paradójicamente, el cineasta parece expresar su deseo de que las cosas hubieran salido mejor en la vida real.

Woody Allen escribió el papel de Carol Lipton para Mia Farrow cuando todavía no se había separado de ella. Por eso, inicialmente iba a ser una mujer tranquila y sosegada como las que la actriz solía interpretar, y como James Stewart, en "La ventana indiscreta".

 

 

Secuencias hilarantes

Tras la ruptura, Allen recurrió a su antigua compañera sentimental y musa Diane Keaton, con quien no trabajaba desde "Manhattan", de 1979, aunque la actriz hizo un cameo como cantante en "Días de radio" Para ella, tuvo que cambiar el personaje, que se convirtió en una mujer dinámica e hiperactiva como la propia Keaton. Allen también recurrió curiosamente a Marshall Brickman, coautor de "Manhattan" y "Annie Hall", para que le ayudara en la escritura del guión.

A pesar de secuencias hilarantes, como la conversación telefónica del asesino con grabaciones telefónicas, en Estados Unidos el film no tuvo un éxito particularmente grande. Esto se explica en gran medida por la mentalidad anglosajona, según la cual alguien como Woody Allen, que se había comportado de forma inmoral, nunca será capaz de hacer una obra de arte, como los políticos infieles a sus esposas pierden toda su credibilidad ante la opinión pública. En Europa, nos parece evidente que aunque la conducta privada de Woody es bastante discutible, su película es una auténtica joya.

Ficha técnica

Título: Misterioso asesinato en Manhattan

Título original: Manhattan murder mystery

Dirección: Woody Allen

País: Estados Unidos

Año: 1993

Duración: 104 min.

Género: Criminal, Comedia, Intriga

Calificación: Apta para todos los públicos

Reparto: Woody Allen, Diane Keaton, Jerry Adler, Lynn Cohen, Ron Rifkin, Joy Behar, William Addy, John Doumanian, Sylvia Kauders, Ira Wheeler, Alan Alda, Anjelica Huston, Melanie Norris, Marge Redmond, Zach Braff, George Mason, Linda Taylor, Aida Turturro, John Costelloe, Frank Pellegrino, Philip Levy, Wendell Pierce, Steven Randazzo, Yanni Sfinias, Gloria Irizarry, Ruth Last, Suzanne Raffaelli, Al Cerullo

Distribuidora: Columbia TriStar Films de España

Productora: TriStar Pictures

Presupuesto: 13.500.000,00 $

Agradecimientos: Charles Chaisson

Casting: Aleen Keshishian, Judie Fixler Juliet Taylor Laura Rosenthal, Todd M. Thaler

Coproducción: Helen Robin, Joseph Hartwick

Departamento artístico: Cosmo Sorice, Dave Weinman, Frank Didio, Glenn Lloyd, James Mazzola, James Sorice, Peter Rogness, Ron Petagna, Vincent Guarriello, Wayne Moss

Departamento de transportes: Peter Tavis

Departamento editorial: Kent Blocher, William Kruzykowski

Dirección: Woody Allen

Dirección artística: Speed Hopkins

Diseño de producción: Santo Loquasto

Fotografía: Carlo Di Palma

Guión: Marshall Brickman, Woody Allen

Maquillaje: Fern Buchner, Romaine Greene

Montaje: Susan E. Morse

Producción asociada: Thomas A. Reilly

Producción ejecutiva: Charles H. Joffe, Jack Rollins

Sonido: Dan Korintus, Frank Graziadei, James Sabat, Kristen M. Johnson, Lee Dichter, Louis Sabat, Robert Hein

Vestuario: Bill Christians Jeffrey Kurland Michael Adkins, Patricia Eiben, Suzanne McCabe, Virginia D. Patton

Fuentes: Portal Cine by Suite 101, http://suite101.net/article/misterioso-asesinato-en-manhattan-risa-segura-a8902
Portal Estamos rodando, http://cine.estamosrodando.com/filmoteca/misterioso-asesinato-en-manhattan/ficha-tecnica-ampliada/