Woody Allen, Interiores, 1978; foto cortesía de United Artists / Photofest © United Artists
Han pasado muchos años desde que me llamé fan de Woody Allen. A principios de la década de los 80, cuando comencé mi duro viaje de servicio al cine, la querida crítica de finales de la década de los 70 había empezado a producir comidas más ligeras, que tuve la tentación de descartarlo por completo. En el momento en que había entrado en una carrera de revitalización de la mitad de su carrera con obras tan importantes como Hannah y sus hermanas , Crimenes y pecados, y Maridos y esposas. Rutinariamente valoré sus obras sin ser vistas con el ojo con ictericia tan característico del adolescente. Desafortunadamente, los años subsiguientes me han dado pocas razones para derribarme, y ahora incluso las supuestas grandes obras de Allen de los 70 han desinflado a bagatelas, su importancia anterior parece ser un efecto de la alucinación de masas. Sí, hay mucho encanto en Annie Hall, digamos, pero la película está en gran parte unida por el ziggurat más descarado de referencias intelectuales y el levantamiento de nombres jamás erigido. Debo admitir que tomé notas mentales al ver estas películas que informaron mis lecturas y exploraciones estéticas durante bastante tiempo, pero ahora, casi al final de los 2000, la era más no intelectual hasta ahora conocida por el hombre moderno, se pueden ver por lo que son: productos de una sensibilidad en gran medida anti-visual con un talento arraigado en una brillante exhibición de pirotecnia verbal absurdista más adecuada para el simulacro satírico. ¡ Mira cuánto sé, cuánto he leído! ", Parecen gritar. "¡Soy el bromista de Nebbish que soy, todavía debo ser tomado en serio! ¡No soy solo un hombre divertido! He leído a Proust, Kafka, Freud y Flaubert, mi director favorito es Jean Renoir, ¡y qué hay de ese Sol LeWitt! " Etcétera etcétera.
El éxito financiero de este enfoque es un testimonio de la base social de la comedia: seguramente no hubo hordas de estudiantes graduados haciendo estas películas. Los que obtuvieron las referencias se rieron para informar a todos que estaban al tanto, y los que no se rieron para ocultar su ignorancia. Todo este juego de semi / pseudo erudición hecho para reír hizo que las audiencias estuvieran felices de gastar dinero, pero también por resultados estéticos desafortunados. Love and Death (La última noche de Boris Grushenco, en Argentina) aplicó la fórmula estrictamente a la literatura rusa del siglo XIX (más una parte saludable de las referencias del Séptimo Sello incluidas en buena medida), mientras que la alabada Manhattan combinó a Annie Hall con el libro de fotografía de la mesa de centro para producir una de las amalgamas más extrañas de la historia del cine: es una hermosa orgía de cinematografía en blanco y negro con pantalla panorámica basada en un profundo conocimiento del arte fotográfico, y una comedia romántica dramáticamente asombrosa y no visual: Si bien es cierto que gran parte de su paleta emocional se expresa mediante imágenes, la mayoría de sus destacados dramatúrgicos y cómicos se pueden ver únicamente al escuchar su banda sonora.
Woody Allen, Interiores, 1978; foto cortesía de United Artists / Photofest © United Artists
Sin embargo, los dioses sobrecargaron el gran talento de Woody, y hay excepciones a la regla: obras que encuentran su hogar dentro del Templo del Cine Verdadero. Sleeper (El dormilón) es una de esas películas. Combinando slapstick, un género que amenaza siempre las inclinaciones pequeño-burguesas hacia el decoro y la estabilidad social, y por lo tanto despreciado por los críticos de los periódicos, con la ciencia ficción y la comedia romántica, y repleto de referencias más tópicas que el intelectual, Allen evoca en El dormilón algo cercano al espíritu anárquico de sus amados Hermanos Marx. Rebosante de inventiva visual, ya sea en términos de una alegre dirección artística, de comedia física o de la manera segura, pero sencilla, en la que Allen crea tomas y las une: Sleeper es cinemáticamente vivo.
Woody Allen, Interiores, 1978; foto cortesía de United Artists / Photofest © United Artists
Los interiores son otra excepción, aunque de una variante. La primera película "seria" de Allen, estoy hablando MUY MUERTA, y su primera película en la que no apareció como actor, Interiores fue recibida con una conmoción colectiva por el público y la crítica. Sin duda, los ejecutivos de Studio tuvieron la misma respuesta cuando vieron por primera vez el guión. Hasta el día de hoy, ningún estudio de Hollywood ha financiado nada tan remotamente austero, de hecho, funerario, al menos por un director estadounidense. Pero, ¿qué podrían hacer los peces gordos? Las películas de Allen no costaron mucho, y acababa de ganar un guante lleno de Oscar para Annie Hall. Muchos críticos lo calificaron como una obra maestra, mientras que otros se rascaban la cabeza. Las audiencias rápidamente se dieron cuenta, y la saltaron. En los últimos treinta y un años, la amnesia colectiva se ha afianzado, y es casi como si los interiores nunca hubieran existido. Sorprendentemente fotografiado por el legendario Gordon Willis (Las películas del Padrino , y todo de Woody Allen desde 1977 hasta 1985), Interiores sumerge a la audiencia de Allen en un universo alienígena señalado por la virtual ausencia de música (solo dos de los números de jazz de Dixieland clásicos de la firma de Allen encuentran su camino en la película) y relativamente tarde. Los extraterrestres son una familia de WASP adinerados cargados de fatalidad que giran en torno a una madre, Eve, que posee una atracción gravitatoria de agujero negro. Eve ha tenido una brillante carrera como decoradora de interiores durante varias décadas, pero en algún momento las cosas se rompieron y la severidad de su visión minimalista se filtró en cada rincón de la vida psíquica de su familia. Un período de institucionalización completo con terapia de choque fue seguido por un regreso al centro de la familia, y su viaje lleno de baches desde entonces ha dejado a todo el clan emocionalmente destrozado. Hacia el comienzo de la película, el padre decidió tomar un polvo, y es difícil no simpatizar, sus tres hijas han pasado toda su vida en un mundo tratando de darle sentido a todo, y no le queda mucho tiempo. La hija del medio, Flyn (Kristin Griffith) ha encontrado un éxito ansioso como actriz en películas de televisión "terribles". La más joven, Joey (Mary Beth Hurt), revolotea de trabajo en trabajo, de arte en arte, en un intento de capturar el poder de su madre. La mayor, Renata (Diane Keaton), es la única de las tres en alcanzar una expresión artística —como poeta— a un nivel equivalente al de su madre, pero se está desmoronando: “Mi impotencia se estableció hace un año, "Ella le dice a su terapeuta," ... mi parálisis. De repente me di cuenta de que ya no podía dedicarme más a escribir ... Pensé en que me iban afectando los pensamientos sobre la muerte ". Estas líneas, que Allen se habría entregado previamente, jugaban para la comedia, Se hablan aquí en serio. Así como parece imposible que las cosas empeoren, el padre regresa con una nueva novia, y todo el infierno se desata ...
Woody Allen, Interiores , 1978; foto cortesía de United Artists / Photofest © United Artists
Desde su lanzamiento, se ha descrito a los interiores como a la manera del ídolo de Allen, Ingmar Bergman. Si bien esto es cierto, Allen ha interiorizado muchas de las influencias de Bergman: Chejov, Ibsen y Strindberg, y ha agregado un par de las suyas: Eugene O'Neil y Tennessee Williams. Todo este trasfondo cultural de teatro de alta potencia podría hacer que los interiores. Un poco pretencioso, pero no soy nadie para decirlo. Mi propia experiencia infantil del minimalismo de paredes blancas de Manhattan de los 70 y los recuerdos de algunas figuras matriarcales de mi propia familia que, si se combinan, serían, según mi opinión, un muerto para Eva, también mi respuesta a esta película, personalmente visceral para que yo pueda emitir un buen juicio. Sin embargo, creo que en comparación con otras películas de Allen de este período, el guión de Interiores nace. Cada situación, cada línea es tan maldita en el dinero. Al igual que el mundo que retrata, este script no tiene aire. Entonces, ¿cómo puedo estar claramente en el camino para calificar la película hecha con esta? La película estadounidense moderna se basa en la tiranía del guión. La mayoría de las producciones cinematográficas (incluida la mayoría de Allen) intentan resucitar la inspiración que inspiró su escritura, y luego congelan y secan los resultados en celuloide. Interiores, sin embargo, son disciplinados, pero orgánicos. Su cámara es precisa, pero permite que las actuaciones cobren vida y tomen forma antes que ellas. Si tuviera espacio y tiempo, podría escribir una página o dos sobre las excelentes actuaciones que pueblan esta película, no solo por sus hombres: Richard Jordan, y un Sam Watterston bastante joven como dos de los esposos de las hermanas, y E.G. Marshall, en su actuación más sensible en la pantalla como el padre, Arthur. Geraldine Page, a menudo citada como la actriz de teatro más importante de su generación, presenta una imagen de Eve tan sutil, compleja y misteriosamente envolvente como cualquiera que haya conocido, pero sorprendentemente, cuando Arthur regresa con su reemplazo, la aparición de Maureen Stapleton en este papel evoca inmediatamente una fuerza tan vital que está claro al instante que el partido de Eve se ha cumplido. Al igual que en el trato que le dio a sus artistas, Allen permite que la decoración, la tierra y el paisaje marino se conviertan palpablemente vivos delante de su cámara. Su uso de los símbolos y los arquetipos humanos y naturales, como el mar, será incómodamente obvio para algunos, pero lo que se pierde en matices es más que compuesto por fuerza bruta.
Fuente: openspace.sfmoma.org/2009/10/woody-allens-interiors/
Woody Allen, Interiores, 1978; foto cortesía de United Artists / Photofest © United Artists
Han pasado muchos años desde que me llamé fan de Woody Allen. A principios de la década de los 80, cuando comencé mi duro viaje de servicio al cine, la querida crítica de finales de la década de los 70 había empezado a producir comidas más ligeras, que tuve la tentación de descartarlo por completo. En el momento en que había entrado en una carrera de revitalización de la mitad de su carrera con obras tan importantes como Hannah y sus hermanas , Crimenes y pecados, y Maridos y esposas. Rutinariamente valoré sus obras sin ser vistas con el ojo con ictericia tan característico del adolescente. Desafortunadamente, los años subsiguientes me han dado pocas razones para derribarme, y ahora incluso las supuestas grandes obras de Allen de los 70 han desinflado a bagatelas, su importancia anterior parece ser un efecto de la alucinación de masas. Sí, hay mucho encanto en Annie Hall, digamos, pero la película está en gran parte unida por el ziggurat más descarado de referencias intelectuales y el levantamiento de nombres jamás erigido. Debo admitir que tomé notas mentales al ver estas películas que informaron mis lecturas y exploraciones estéticas durante bastante tiempo, pero ahora, casi al final de los 2000, la era más no intelectual hasta ahora conocida por el hombre moderno, se pueden ver por lo que son: productos de una sensibilidad en gran medida anti-visual con un talento arraigado en una brillante exhibición de pirotecnia verbal absurdista más adecuada para el simulacro satírico. ¡ Mira cuánto sé, cuánto he leído! ", Parecen gritar. "¡Soy el bromista de Nebbish que soy, todavía debo ser tomado en serio! ¡No soy solo un hombre divertido! He leído a Proust, Kafka, Freud y Flaubert, mi director favorito es Jean Renoir, ¡y qué hay de ese Sol LeWitt! " Etcétera etcétera.
El éxito financiero de este enfoque es un testimonio de la base social de la comedia: seguramente no hubo hordas de estudiantes graduados haciendo estas películas. Los que obtuvieron las referencias se rieron para informar a todos que estaban al tanto, y los que no se rieron para ocultar su ignorancia. Todo este juego de semi / pseudo erudición hecho para reír hizo que las audiencias estuvieran felices de gastar dinero, pero también por resultados estéticos desafortunados. Love and Death (La última noche de Boris Grushenco, en Argentina) aplicó la fórmula estrictamente a la literatura rusa del siglo XIX (más una parte saludable de las referencias del Séptimo Sello incluidas en buena medida), mientras que la alabada Manhattan combinó a Annie Hall con el libro de fotografía de la mesa de centro para producir una de las amalgamas más extrañas de la historia del cine: es una hermosa orgía de cinematografía en blanco y negro con pantalla panorámica basada en un profundo conocimiento del arte fotográfico, y una comedia romántica dramáticamente asombrosa y no visual: Si bien es cierto que gran parte de su paleta emocional se expresa mediante imágenes, la mayoría de sus destacados dramatúrgicos y cómicos se pueden ver únicamente al escuchar su banda sonora.
Woody Allen, Interiores, 1978; foto cortesía de United Artists / Photofest © United Artists
Sin embargo, los dioses sobrecargaron el gran talento de Woody, y hay excepciones a la regla: obras que encuentran su hogar dentro del Templo del Cine Verdadero. Sleeper (El dormilón) es una de esas películas. Combinando slapstick, un género que amenaza siempre las inclinaciones pequeño-burguesas hacia el decoro y la estabilidad social, y por lo tanto despreciado por los críticos de los periódicos, con la ciencia ficción y la comedia romántica, y repleto de referencias más tópicas que el intelectual, Allen evoca en El dormilón algo cercano al espíritu anárquico de sus amados Hermanos Marx. Rebosante de inventiva visual, ya sea en términos de una alegre dirección artística, de comedia física o de la manera segura, pero sencilla, en la que Allen crea tomas y las une: Sleeper es cinemáticamente vivo.
Woody Allen, Interiores, 1978; foto cortesía de United Artists / Photofest © United Artists
Los interiores son otra excepción, aunque de una variante. La primera película "seria" de Allen, estoy hablando MUY MUERTA, y su primera película en la que no apareció como actor, Interiores fue recibida con una conmoción colectiva por el público y la crítica. Sin duda, los ejecutivos de Studio tuvieron la misma respuesta cuando vieron por primera vez el guión. Hasta el día de hoy, ningún estudio de Hollywood ha financiado nada tan remotamente austero, de hecho, funerario, al menos por un director estadounidense. Pero, ¿qué podrían hacer los peces gordos? Las películas de Allen no costaron mucho, y acababa de ganar un guante lleno de Oscar para Annie Hall. Muchos críticos lo calificaron como una obra maestra, mientras que otros se rascaban la cabeza. Las audiencias rápidamente se dieron cuenta, y la saltaron. En los últimos treinta y un años, la amnesia colectiva se ha afianzado, y es casi como si los interiores nunca hubieran existido. Sorprendentemente fotografiado por el legendario Gordon Willis (Las películas del Padrino , y todo de Woody Allen desde 1977 hasta 1985), Interiores sumerge a la audiencia de Allen en un universo alienígena señalado por la virtual ausencia de música (solo dos de los números de jazz de Dixieland clásicos de la firma de Allen encuentran su camino en la película) y relativamente tarde. Los extraterrestres son una familia de WASP adinerados cargados de fatalidad que giran en torno a una madre, Eve, que posee una atracción gravitatoria de agujero negro. Eve ha tenido una brillante carrera como decoradora de interiores durante varias décadas, pero en algún momento las cosas se rompieron y la severidad de su visión minimalista se filtró en cada rincón de la vida psíquica de su familia. Un período de institucionalización completo con terapia de choque fue seguido por un regreso al centro de la familia, y su viaje lleno de baches desde entonces ha dejado a todo el clan emocionalmente destrozado. Hacia el comienzo de la película, el padre decidió tomar un polvo, y es difícil no simpatizar, sus tres hijas han pasado toda su vida en un mundo tratando de darle sentido a todo, y no le queda mucho tiempo. La hija del medio, Flyn (Kristin Griffith) ha encontrado un éxito ansioso como actriz en películas de televisión "terribles". La más joven, Joey (Mary Beth Hurt), revolotea de trabajo en trabajo, de arte en arte, en un intento de capturar el poder de su madre. La mayor, Renata (Diane Keaton), es la única de las tres en alcanzar una expresión artística —como poeta— a un nivel equivalente al de su madre, pero se está desmoronando: “Mi impotencia se estableció hace un año, "Ella le dice a su terapeuta," ... mi parálisis. De repente me di cuenta de que ya no podía dedicarme más a escribir ... Pensé en que me iban afectando los pensamientos sobre la muerte ". Estas líneas, que Allen se habría entregado previamente, jugaban para la comedia, Se hablan aquí en serio. Así como parece imposible que las cosas empeoren, el padre regresa con una nueva novia, y todo el infierno se desata ...
Woody Allen, Interiores , 1978; foto cortesía de United Artists / Photofest © United Artists
Desde su lanzamiento, se ha descrito a los interiores como a la manera del ídolo de Allen, Ingmar Bergman. Si bien esto es cierto, Allen ha interiorizado muchas de las influencias de Bergman: Chejov, Ibsen y Strindberg, y ha agregado un par de las suyas: Eugene O'Neil y Tennessee Williams. Todo este trasfondo cultural de teatro de alta potencia podría hacer que los interiores. Un poco pretencioso, pero no soy nadie para decirlo. Mi propia experiencia infantil del minimalismo de paredes blancas de Manhattan de los 70 y los recuerdos de algunas figuras matriarcales de mi propia familia que, si se combinan, serían, según mi opinión, un muerto para Eva, también mi respuesta a esta película, personalmente visceral para que yo pueda emitir un buen juicio. Sin embargo, creo que en comparación con otras películas de Allen de este período, el guión de Interiores nace. Cada situación, cada línea es tan maldita en el dinero. Al igual que el mundo que retrata, este script no tiene aire. Entonces, ¿cómo puedo estar claramente en el camino para calificar la película hecha con esta? La película estadounidense moderna se basa en la tiranía del guión. La mayoría de las producciones cinematográficas (incluida la mayoría de Allen) intentan resucitar la inspiración que inspiró su escritura, y luego congelan y secan los resultados en celuloide. Interiores, sin embargo, son disciplinados, pero orgánicos. Su cámara es precisa, pero permite que las actuaciones cobren vida y tomen forma antes que ellas. Si tuviera espacio y tiempo, podría escribir una página o dos sobre las excelentes actuaciones que pueblan esta película, no solo por sus hombres: Richard Jordan, y un Sam Watterston bastante joven como dos de los esposos de las hermanas, y E.G. Marshall, en su actuación más sensible en la pantalla como el padre, Arthur. Geraldine Page, a menudo citada como la actriz de teatro más importante de su generación, presenta una imagen de Eve tan sutil, compleja y misteriosamente envolvente como cualquiera que haya conocido, pero sorprendentemente, cuando Arthur regresa con su reemplazo, la aparición de Maureen Stapleton en este papel evoca inmediatamente una fuerza tan vital que está claro al instante que el partido de Eve se ha cumplido. Al igual que en el trato que le dio a sus artistas, Allen permite que la decoración, la tierra y el paisaje marino se conviertan palpablemente vivos delante de su cámara. Su uso de los símbolos y los arquetipos humanos y naturales, como el mar, será incómodamente obvio para algunos, pero lo que se pierde en matices es más que compuesto por fuerza bruta.
