Imagen de Woody.

Extraído de Woody Allen Web.

Photo Gallery: Blue Jasmine (2013).

Blue Jasmine es una película de comedia dramática escrita y dirigida por Woody Allen. Fue estrenada el 26 de julio de 2013 en Nueva York y Los Ángeles, mientras en España el 15 de noviembre del mismo año.

Blue Jasmine es la historia de una mujer, Jasmin o Janette (Cate Blanchett), en bancarrota tras el fin de su matrimonio con un hombre adinerado (Alec Baldwin). Devastada, Jasmin debe abandonar su lujosa vida en Nueva York para mudarse a San Francisco y vivir con su hermana Ginger (Sally Hawkins), donde deberá repensar su estilo de vida y rearmarse en constante juego con un pasado que la agobia.

La película fue filmada en 2012 en Nueva York y San Francisco. Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Edward Walson son los productores de la película. Sony Pictures Classics la distribuirá, siendo su sexta colaboración con Allen.

Blue Jasmine obtuvo éxito de la crítica. Previamente, los críticos mantenían altas expectativas en el nuevo proyecto de Allen y no decepcionó. Elogiaron el papel de Blanchett, calificándola como una de sus mejores actuaciones, si no era de por sí la mejor de toda su carrera como actriz. Diferentes medios de prensa han clasificado esta película como una de las más fuertes y resonantes de la carrera de Allen en años. Rotten Tomatoes dio a la película una puntuación de 91%, con un promedio de 8 sobre 10 basado en 193 críticas hacia esta. Obtuvo por tanto la calificación de "Fresh". En Metacritic, recibió una puntuación de 78 sobre 100, basándose en 47 críticas. Blue Jasmine ha sido comparada por varios críticos con la obra de Tenesee Williams Un tranvía llamado deseo debido a la similar trama y a los personajes que ambas comparten.

La película ha sido nominada a varios premios de la crítica. Entre las más importantes destacan tres nominaciones al Óscar: una por Guión Original y dos por los papeles de Blanchett y Hawkins como Actriz Principal y Actriz de Reparto respectivamente. En la reciente edición de los Globos de Oro, Blanchett se hizo con la estatuilla de Mejor Actriz en Drama, y el Premio Oscar a Actriz Principal.

 

Fotos extraídas de Woody Allen Web

A 29 años de Hannah y sus hermanas.

Y cumple 29 años sin sentir el paso del tiempo, salvo por detalles menores como las enormes gafas de pasta de Michael Caine, su gabardina con cuellos de piel; por el flequillo de Mia Farrow y sus rizos tan a la moda en los ochenta, y su camisa de lunares o por los modelos de los coches aparcados en las calles de Manhattan.

Pero “Hannah and her sisters”, con guión original de Allen (para algunos, el mejor de su notable carrera), mantiene el nivel en sus diálogos existenciales y en los graciosos análisis psicológicos que los propios personajes tejen desde el más reconocible sentido del humor marca Woody Allen.

Pues a pesar de aquellos diálogos tan precisos, tan “polite”, tan hilados, tan sencillos y cotidianos, la película se mantiene y ha pasado a la historia por el verso final de un poema de E.E. Cummings: “Nadie, ni siquiera la lluvia, tiene las manos tan pequeñas”. No es para menos.

Contada en forma circular, en el periodo que transcurre entre un día Acción de Gracias y el del año siguiente, la película se divide en dieciséis partes que se anuncian con un breve rótulo, como las antiguas novelas. De hecho, según contó el propio Allen, la idea de llevar a cabo de esa manera el guión se lo sugirió la lectura de Ana Karenina, de León Tolstoi.

Cuenta las historias entremezcladas de Hannah (Mia Farrow, a la sazón, compañera sentimental de Allen en aquellos momentos) y de sus hermanas pequeñas, Lee (Barbara Hershey) y Holly (Dianne Wiest).

Hannah, perfecta esposa, madre y actriz de éxito, está casada con Elliot (Michael Caine, que cobró la mitad de sus honorarios habituales), en el papel de un próspero asesor financiero; Lee vive con Frederick (Max Von Sydow), un pintor mayor y excéntrico al que adora, pero no ama; y Holly, una adicta a la cocaína, soltera, neurótica y con complejo de inferioridad.

La trama se complica cuando Elliot y Lee se enamoran y mantienen un idilio a espaldas de Hannah, a quien tanto uno como el otro temen defraudar irremediablemente. A la vez, se cuenta la historia de Mickey (Woody Allen), ex de Hannah, un guionista de televisión hipocondríaco que, convencido de estar a punto de morir, cae en una crisis existencial que le lleva a cuestionarse la fe, el sentido de la vida y la razón de ser del sexo y del amor. A todos les une un sentimiento común: la búsqueda de la felicidad.

La película es, además de un retrato colectivo, un canto a Manhattan, el que Allen ya había abordado en 1979: regresan los apartamentos de Central Park, las calles, las librerías de viejo, los árboles y los jardines, adornados con los tonos otoñales de la fotografía de Carlo Di Palma.

De hecho, los interiores se rodaron en el apartamento de Farrow, en el 135 de Central Park West, y se quedaron dentro algunos de sus niños, que actuaron de extras. Hasta su madre en la vida real, Maureen O’Sullivan, lo fue en la ficción. Mía declaró su confusión al rodar en su cocina, con sus cazuelas y sus hijos y besando a Caine en su sofá, mientras Allen miraba.

Esta película supuso para el director tres Óscar: actor secundario (Michael Caine), actriz secundaria (Dianne West) y guión (Allen), además de otras cuatro nominaciones (película, director, montaje y dirección artística). También obtuvo el Globo de Oro a la mejor película; un American Comedy Award; dos BAFTA, un David di Donatello y otro del Syndicat Français, entre otros.

Fue su película numero quince, tras éxitos sonados de los años 70, desde “Robo, huyo y lo pescaron” (1969), “Bananas” (1971), “Sueños de seductor” (1972), “El dormilon” (1973), “Annie Hall” (1977, ganadora de cuatro Oscar), “Interiores” (1978), la célebre “Manhattan”, y justo después de “La rosa purpura de El Cairo” (1985).

Como otra curiosidad, el papel de Hannah le fue ofrecido a la actriz Kay Lenz, que hoy tiene toda una carrera como actriz televisiva. Un día como hoy entonces se estrenaba en Estados Unidos “Hannah and her sisters”, que fue hasta 2005 y “Match point”, el filme que más recaudó en taquilla de Allen, que a sus setenta y nueve años sigue produciendo una película al año y es responsable de otro medio centenar de largometrajes.

Por Alicia G. Arribas

Extraído de https://woodyallenweb.wordpress.com/el-blog-de-woody-allen-web/page/8/

"La nostalgia es una trampa"

• Dave Itzkoff

El cineasta habla de “Magia a la luz de la luna”, comedia romántica en la que Colin Firth es un ilusionista cuya creencia en el mundo empírico se pone a prueba por el personaje de Emma Stone, que dice ser una médium.

Este café de la calle Westminster, en Providence, en el estado de Rhode Island, que fue escenario para una próxima película de Woody Allen, parecía una extravagante ilusión escénica, rodeado de grandes pantallas que apuntaban su luz hacia el restaurante a la vez que ocultaban cualquier acción en su interior de los observadores de afuera.

Con el tiempo, Allen levantará el telón sobre ese acto en particular, protagonizado por Emma Stone y Joaquin Phoenix. Pero por el momento el prestidigitador lo mantiene escondido, y sale de sus barreras protectoras sólo para hablar de otro filme, Magia a la luz de la luna, que se estrena hoy en la Argentina.

Escrita y dirigida por Allen, esta comedia cuenta la historia de un mago de la década de 1920 (interpretado por Colin Firth), cuya seria creencia en el mundo empírico es puesta a prueba radicalmente por una atractiva mujer más joven que él (Stone), que dice ser una médium.

Artificios e incertidumbre han sido constantes en la obra y la vida de Allen.

Magia a la luz de la luna es la más reciente de sus películas que muestra su fascinación por los comienzos del siglo XX y propone un campo filosófico donde las fuerzas de la racionalidad y la espiritualidad pueden presentar batalla entre sí, si bien no es ningún secreto a favor de qué lado está el autor.

“Soy como Blanche DuBois”, dice Allen, de 78 años, sentado sobre una conservadora de hielo en una playa de estacionamiento fuera del café, aludiendo al personaje de Un tranvía llamado Deseo. “Espero que haya cierta cantidad de magia en la vida. Desafortunadamente, no hay suficiente. Hay pocas cosas, esporádicas, que uno podría considerar mágicas. Pero la mayor parte es realidad gris.” Esos comentarios pueden simplemente reflejar el escepticismo cómicamente abrumador de Allen, dueño de un gran poder para manejar sus palabras, ficcionales y de las otras.

Pero las opiniones también pueden aplicarse al alboroto de los meses recientes, en los que el realizador hizo frente a acusaciones que él podía haber supuesto terminadas; y a la realidad que Magia a la luz de la luna podrá comprobar en cuanto a que el público de Allen haya o no desaparecido.

La magia -forma que ha trabajado a favor de él- ha aparecido en sus películas con diversos pretextos, ya sea abiertamente, en películas como Scoop (el filme de 2006 en el que interpretaba a un inseguro aspirante a Houdini), o de manera indirecta, como en la comedia La rosa púrpura de El Cairo (en la que el personaje de una película sale de la pantalla para entrar en la vida real).

Allen cuenta que en su adolescencia la magia lo obsesionaba y que aprendía trucos con cartas, hacía prestidigitación e incluso llevaba todo eso a cabo ante públicos reducidos. Pero, dado lo que él llama “mi personalidad criminal innata”, aclara que “me interesaba ser apostador, embaucador con cartas, embaucador con dados”.

“Apuntaba a una vida al borde del crimen”, agrega.

Letty Aronson, hermana de Allen y productora de larga trayectoria, dijo en el set que el interés precoz de su hermano en la prestidigitación era un signo de que era “muy, muy observador de las pequeñas cosas que pasan en la vida cotidiana”.

Pero también había un lado travieso en el acto de magia de Allen. Aronson recuerda que cuando le preguntó el secreto de un truco determinado con un cuchillo, “él me dijo: ‘si me das 5 dólares, te lo vendo’. Así que le di los 5 dólares. Nunca me dio el cuchillo y todavía no sé cómo lo hacía.” Como cineasta, Allen ha sido un escéptico manifiesto acerca del mundo más allá de lo perceptible, tan seguro de que no hay fundamento alguno para eso como lo está de que semejante fe no podría nunca arraigar en él, aunque conserva cierta fascinación por quienes la tienen.

“Pero si sos ese tipo de persona a quien le resulta difícil decepcionarse -aun cuando sea tentador creer lo otro-, entonces estás destinado a eso -explica-. Hay una cantidad abrumadora de lógica y evidencias de que todos somos víctimas de un trato desfavorable.” También cierta vena escapista podría explicar el frecuente retorno de Allen a representaciones agradables de las décadas previas a la Segunda Guerra Mundial, ambientación no solamente de Magia a la luz de la luna sino también de Días de radio, Disparos sobre Broadway (la película y también el musical de Broadway), Zelig y otras. Allen dice que esa aparente preferencia era más bien pragmatismo -la época más lógica para que ocurrieran esas historias- y también que no era una persona nostálgica. “La nostalgia es una trampa”, agrega. “Es una sustancia placentera, pegajosa, como la miel, en la que caés.” Aronson, la hermana, afirma que Woody no tenía deseos de vivir en el pasado. “Créanme, no podría vivir en aquellos días sin aire acondicionado”.

A Allen no se le ocurre la idea de concluir su carrera, que describe como una obra que mezcla fantasía con vacaciones.

“Llegás, a la mañana, y hay mujeres como Scarlett Johansson y Emma Stone con las cuales te pasás meses enteros”, dice. “Son encantadoras, son hermosas, son talentosas. Los tipos, como Colin, como Joaquin, son grandes a más no poder. Son fascinantes.” Si algún día simplemente se quedara sin ideas, Woody Allen comenta que todavía podría apoyarse en su vieja habilidad como prestidigitador.

“Probablemente pudiera trampear a algunas viejas para quitarles su pensión, si tuviera que hacerlo”, finaliza.

Traducción: Román García Azcárate

http://www.clarin.com/extrashow/cine/nostalgia-trampa_0_1226877468.html

Woody felicitó a Damián Szifron, por Relatos Salvajes.

Relatos Salvajes no para de cosechar elogios y esta vez fue de una voz más que autorizada para opinar de cine. El mismísimo Woody Allen felicitó a Damián Szifrón por el film que compitió al Oscar en la categoría a mejor película extranjera al que consideró excelente.

 "Quiero que sepas que le di una copia de Relatos Salvajes al representante de Woody Allen. Woody vio el film y pensó que fue excelente: él nos dijo que realmente la disfrutó. Sólo quiero que lo sepas", dice el mail que recibió Szifrón, quien además lo felicita por el contrato que el argentino firmó con TriStar. Orgulloso, Szifrón compartió el mensaje en su perfil de Facebook. "Comparto el mail que recibí anoche", sintetizó el director. 

El contrato con TriStar  

Las felicitaciones de Allen llegaron luego de que se confirmara que Szifrón firmó un acuerdo por el cual el próximo film del director de Relatos salvajes será un thriller hablado en inglés que se rodará en Hollywood. El argumento se mantiene en el más estricto silencio y no se conocen aún ni el título ni la conformación del elenco.


Extraído de http://personajes.lanacion.com.ar/1774646-woody-allen-felicito-a-damian-szifron-por-relatos-salvajes  

En la vida solo tiene sentido distraer a la gente.

FESTIVAL DE CANNES

El director estadounidense presenta fuera de concurso ‘Irrational man’

Por GREGORIO BELINCHÓN  Cannes  15 MAY 2015 -  






Woody Allen durante la presentación de 'Irrational Man'. / A. POUJOULAT (AFP)


El próximo 1 de diciembre Allen Stewart Konigsberg, es decir, Woody Allen, cumplirá 80 años. Al cineasta neoyorquino no parece que le importe mucho el cambio de década, es más, en Cannes ha asegurado esta mañana que no va a cambiar de estilo, no abandonará el humor para entrar en profundas disquisiciones. “Otros artistas y mucha gente en general lo ha hecho, porque con la edad cambia la perspectiva. Pero no va a ser en mi caso, no me voy a poner serio, en plan Bergman. Mi talento está en el humor, nadie me dará dinero por rodar dramas. Ya me puse serio en mi juventud: di entrevistas aburridas e hice películas plúmbeas”, contaba con su media sonrisa en la presentación a la prensa de Irrational man. El protagonista de este film noir es un profesor de filosofía, Abe Lucas (Joaquin Phoenix) tan carismático como devastado emocionalmente, que siente que haga lo haga (enseñar, activismo político, viajes en ayuda humanitaria) no hay grandes diferencias. Ni mudándose a un pequeño college, donde empieza a combinar dos relaciones: con una profesora –Parker Posey- encallada en un matrimonio frustrante y con su alumna más brillante –Emma Stone-). De repente, al escuchar una conversación en un restaurante, Lucas encuentra de repente una motivación, un impulso vital que le cambia por repente, y le da fuerzas… aunque ese estímulo le lleve al crimen.

Como profesor de filosofía, Lucas habla sobre Kant, los existencialistas, Kierkegaard y –obviamente hablando de crímenes- hay una referencia a Hannah Arendt y la “banalidad del mal”. Allen considera que él no ha aportado nada nuevo a la filosofía, sino que su cine es producto de los filósofos que ha leído. Sin embargo, sí ha reflexionado ampliamente en Cannes sobre la importancia de las decisiones y de las creencias en la vida del ser humano. “No creo que haya dado espacio en este filme a la irracionalidad, sino que todos en la vida tenemos elegir, un hecho que suele ocurrir repentinamente. Si la elección es la correcta, bien. Pero en el caso de mi personaje Lucas se decanta por lo irracional. Creo que el ser humano necesita creer, de ahí las religiones”. Y ahondó: “Leí a Primo Levi, y posteriormente a otros supervivientes de campos de concentración, y me di cuenta de que si había salido vivo de aquel horror fue por su ferviente comunismo. Tenían una motivación. Da igual que luego el comunismo se mostrara como un sistema fracasado. A ellos les funcionó, les dio un estímulo. No importa si la creencia es cierto o no, sino que la tengas, porque hará tu vida mejor”.



Entonces, ¿en qué cree Woody Allen?¿Qué sentido tiene para él la vida? “La vida pasa, nosotros la solemos cabalgar en mala posición… Debemos afrontarla de forma positiva. Al final, no hay ningún significado ni sentido ulterior. Todo lo creado se desvanece. Las grandes obras de Shakespeare, Beethoven… Puff, se van. Para mí, lo único que tiene sentido a la vida es distraer a la gente. Cuando hago cine, primero me distraigo a mí mismo, y luego se lo hago al público. Durante hora y media se olvidan de malos humores, la muerte… Es halagador ver a la gente reír con tu trabajo, y en mi caso es agradable mantenerme ocupado y no encarar la realidad”. Solo con estas respuestas estuvo el cineasta animoso. El resto de la rueda de prensa Allen miraba al infinito –en un par de ocasiones los periodistas le preguntaron si estaba allí, a lo que parecía despertar repentinamente- antes de filosofar sobre su trabajo o posibles crisis morales en el siglo XXI. “No, hoy en día no vivimos una falta de valores mayor que la de hace siglos. En cada rincón del mundo pasan cosas horribles, hay crisis morales. Pero es que así ha funcionado siempre. De eso se ha alimentado el cine, el teatro –y el gran ejemplo es Shakespeare- las novelas… Las infidelidades, los triángulos amorosos, el crimen son semillas del arte”. Y por eso, sin ser muy explícito, defendió el final de su película, un último plano algo ambiguo: “Lo que ha vivido la estudiante es una lección de vida, y la vida es ambigua. Con el tiempo estoy seguro que entenderá la ambivalencia porque 50 o 60 años la perspectiva vital cambia”

A su lado, las actrices Parker Posey y Emma Stone hablaron sobre la sencillez de los rodajes de Allen, el disfrute que supone participar en uno de ellos y de cómo, en caso de duda, el cineasta les decía: “Es una película, no lo pienses tanto”.

Sobre sus próximos proyectos, no hizo referencia ni a su siguiente rodaje, que protagonizarán Kristen Stewart, Blake Lively, Jesse Eisenberg y Bruce Willis, ni al museo sobre su obra que la productora Mediapro planea montar en Barcelona en el edificio de la antigua Escuela de Artes y Oficios (por cierto, en Irrational man, se habla de “la romántica España”), pero sí sobre su futura serie de televisión para Amazon: “Estoy bregando con ello, y espero no decepcionarles, pero está siendo una lucha… Una catástrofe. Me he metido en esto de las seis horas y media… Estoy escribiendo. No sé aún el resultado. Me da una vergüenza haber aceptado…”. Y echó a reír. Como un niño.

Los actores de Woody: Sam Waterston.

Nacido como Samuel Atkinson Waterston,  el 15 de noviembre de 1940 en Cambridge, Massachusetts, Sam Waterston ha forjado una carrera como actor en el escenario y en las pantallas grandes y pequeñas. Ha aparecido en varias películas de Woody Allen, incluyendo Hannah y sus hermanas y Septiembre , y se ganó una nominación al Oscar por su papel en The Killing Fields . También actuó en la serie de televisión La Ley y orden , y Me iré volando . Más recientemente, Waterston ha aparecido en The Newsroom y Gracia y Frankie .

Vida Temprana

Sam Waterston creció en Nueva Inglaterra con sus tres hermanos y padres. Su padre, George Chychele, emigró de Inglaterra y fue un maestro en semántica y el lenguaje en North Andover, Massachusetts. La madre de Waterston, Alice Atkinson, fue una pintora de paisajes. Cuando era niño, él actuó en producciones escolares y en obras de teatro dirigidas por su padre, un dramaturgo aficionado. Waterston hizo su primera aparición en el escenario a los 7 años como Creonte en Antigona de Jean Anouilh, dirigida por su padre.

Antes de ir a la universidad, Waterston asistió a la Escuela Groton en Groton, Massachusetts, una escuela preparatoria de prestigio, donde continuó actuando. En la Universidad de Yale, estudió francés e historia, pero no pudo mantenerse alejado del teatro. Se incorporó a la Universidad de Yale Dramat, sociedad dramática de la universidad y ha actuado en muchas producciones, incluyendo Edipo Rey y . Esperando a Godot. Durante la producción de Esperando a Godot , Waterston dijo que tenía una epifanía - que debe convertirse en un actor profesional.

Pero Waterston no persiguió su sueño de inmediato. Durante su tercer año de secundaria, estudió en el extranjero en la Universidad de París e incluso trató de renunciar a actuar en conjunto. Fue sólo un par de semanas antes de que rindió y comenzó a tomar clases en un taller de actuación, organizado por John Berry, el director americano expatriado, que enseñó teoría basada en las técnicas de Stanislavsky y Chéjov.

Teatro

Waterston se graduó en Yale en 1962 y pasó varios meses en Clinton (Connecticut) Playhouse, donde nuevamente apareció en Esperando a Godot. Luego se mudó a la ciudad de Nueva York y continuó entrenando profesionalmente. Hizo su debut en Nueva York en el Teatro Phoenix a finales de 1962 en Oh Dad, Poor Dad, Hung de mamá, Usted en el armario y estoy Feelin 'So Sad. Se fue en una gira nacional con el espectáculo, y en agosto de 1963 se trasladó a Broadway.

En la próxima década, Waterston apareció en muchas obras de teatro, incluyendo Cardo en mi cama, Colin, The Knack, de Maxime Furland obra de un acto, Fitz, el estreno mundial de Sam Shepard La Turista, y La posteridad en venta. En Broadway, Waterston acumuló otra lista de créditos, incluyendo el hijo hippie de un general cascarrabias Inglés en La mitad del árbol, el portavoz indio Juan Hierba en Indios de Arthur Kopit, y el hijo en la comedia de Noel Coward Fiebre del heno.de 1925. Especialmente alto elogios de la crítica, Waterston ha recibido por su papel de Thomas Lewis en el drama judicial escalofriante El ensayo del Catonsville Nine, que se trasladó al Teatro Liceo en junio de 1971 después de varios meses con entradas agotadas off Broadway.

A mediados de 1972, Waterston asumió las funciones de Laertes en Hamlet y Benedicto en Mucho ruido y pocas nueces en el Festival Shakespeare de Nueva York. Aunque su interpretación de Laertes enfrentó críticas, que no le impidió estar lejos de Shakespeare. De hecho, en 1975, asumió el papel de Hamlet para el Festival Shakespeare de Nueva York. Al principio, su Hamlet no fue calurosamente bien recibido, pero por el momento la producción se trasladó al interior, al Vivian Beaumont Teatro en el retrato de Lincoln y estaba siendo alabado. Waterston pasó a desempeñar un Próspero no convencional en La tempestad y Vincentio en Medida por medida . Tenía el éxito más importante, sin embargo, en el año 1972 por su Benedicto en la producción de A.J. Antoon de Mucho ruido y pocas nueces en el Teatro Delacorte en Central Park, que se trasladó a Broadway más tarde ese año. Por su papel, Waterston ganó un Premio Drama Desk, un Premio del Círculo de Nueva York Drama Critics y un Obie.



Hannah y sus hermanas.


TV y Cine

Waterston pasó a repetir el papel de Benedicto en una versión televisada de Mucho ruido y pocas nueces . También interpreto a Tom Wingfield en una producción televisiva de Tennessee Williams " El zoo de cristal, protagonizada por Katharine Hepburn. Para ese papel Waterston fue nominado a un Emmy a mejor actor. Él ya había aparecido en varios programas de televisión, entre ellos Dr. Kildare, Policía de Nueva York, y el halcón, y el specials The Good teniente y la Casa de mi madre. Más notablemente Waterston retrató el carácter del título en siete partes de la BBC Oppenheimer en 1981. Por su interpretación de J. Robert Oppenheimer, el padre de la bomba atómica, Waterston fue nominado por la Academia Británica de Cine y Televisión al mejor actor. También es bien conocido por su papel como un padre soltero para hacer frente a un cambio social dramático en la década de 1950 de la serie críticamente bien recibida Me iré volando (1991-1993).

En cine, Waterston ha aparecido en Tres (1969), Cover Me, Babe (1970) y ¿Quién mató a María Whats'ername? (1971), así como en Savages de James Ivory (1972). Cuando interpretaba a  Nick Carraway en El gran Gatsby en 1973, Waterston era uno de los únicos actores de la película (incluyendo Mia Farrow y Robert Redford) que recibía críticas positivas. Waterston llegó a aparecer en las películas Rancho Deluxe (1975), Dandy, el All-American Girl (1976), y Interiores (1978), así como Guillermo dulce (1982), Capricornio Uno (1978), La puerta del cielo (1980 ) y Hopscotch (1980).



Interiores.



Waterston volvió a los escenarios en 1975 para interpretar a Torvald Helmer en Casa de muñecas de Ibsen y Vershinin en la estadificación del Manhattan Theatre Club y en Las Tres Hermanas de Chejov 1982. También apareció en las comedias La hora del almuerzo, Gardenia , y Los viajeros en la oscuridad . Transmitir una suave intensidad aún por determinar, Waterston también interpreto a Abraham Lincoln en un renacimiento de 1993 de Abe Lincoln en Illinois , recreando un papel que había desempeñado anteriormente en la película para televisión, Lincoln de Gore Vidal (1988). Larga y distinguida es la carrera de teatro, cine, y televisión de Waterston que llegó a un punto crítico cuando protagonizó la película de gran éxito The Killing Fields en 1984. Fue nominado para un Premio de la Academia al mejor actor.

Septiembre

Años Recientes

Waterston se unió a otra inteligente serie de televisión dramática en 1994. Reemplazó a Michael Moriarty como el ayudante del fiscal del distrito ejecutivo residente en el largo drama de  La Ley y el Orden . Su personaje, Jack McCoy, se levantó a las filas en los últimos años, llegando a ser fiscal de distrito de la ciudad. Waterston recibió tres nominaciones a los premios Emmy por su trabajo en el programa. Interpreto a McCoy hasta el final de la serie en 2010. 

Después de su éxito en la Ley y orden , Waterston pronto negoció casos judiciales de noticias de la televisión. Interpreto al director de noticias Charlie Skinner en la serie de Aaron Sorkin The Newsroom , protagonizada por Jeff Daniels y Emily Mortimer. El show salió al aire desde 2012 hasta 2014. En 2015, Waterston se unió al elenco de estrellas de la serie de Netflix Gracia y Frankie . Él y Martin Sheen interpretaron a los maridos de Lily Tomlin y Jane Fonda que dejan a sus esposos el uno al otro. 

Waterston vive en Connecticut. Él y su esposa, Lynn Louisa Woodruff, una modelo, se casaron el 26 de enero de 1976. Tiene cuatro hijos: Elisabeth, Graham, Katherine y James, que interpreto al hijo en Oppenheimer, es hijo del primer matrimonio de Waterston, con Barbara Johnson.

Filmografía

The Plastic Dome of Norma Jean (1965) - Andy Fitzwilly (1967) - Oliver Generation (1969) - Desmond Three (1969) - Taylor Cover Me Babe (1970) - Cameraman Who Killed Mary What's 'Er Name? (1971) - Alex Mahoney's Estate (1972) - Felix Savages (1972) - James, the Limping Man The Great Gatsby (1974) - Nick Carraway Rancho Deluxe (1975) - Cecil Colson Journey into Fear (1975) - Mr. Graham Sweet Revenge (1976) - Le Clerq Capricorn One (1978) - Lt. Col. Peter Willis Interiores (1978) - Mike Eagle's Wing (1979) - White Bull Sweet William (1980) - William Hopscotch (1980) - Joe Cutter La puerta del cielo (1980) - Frank Canton Oppenheimer (1982) - J. Robert Oppenheimer Q.E.D. (1982) Professor Quentin Everett Deverill The Killing Fields (1984) - Sydney Schanberg The Boy Who Loved Trolls (1984) - Ofoeti

Warning Sign (1985) - Cal Morse Hannah y sus hermanas (1986) - David  Just Between Friends (1986) - Harry Crandall Flagrant désir (1986) - Gerry Morrison Devil's Paradise (1987) - Mr. Jones Septiembre (1987) - Peter Lincoln (1988) - Abraham Lincoln Welcome Home (1989) - Woody Crimenes y pecados (1989) - Ben A Captive in the Land (1990) - Royce Mindwalk (1990) - Jack Edwards The Man in the Moon (1991) - Matthew Trant Serial Mom (1994) - Eugene Sutphin, D.D.S. The Enemy Within (1994) - President William Foster The Journey of August King (1995) - Mooney Wright, Producer Nixon (1995) - Richard Helms (scenes deleted) The Proprietor (1996) - Harry Bancroft Shadow Conspiracy (1997) - The President The Matthew Shepard Story (2002) - Dennis Shepard Le Divorce (2003) - Chester Walker The Commission (2003) - J. Lee Rankin The Newsroom (2012) - Charlie Skinner

Extraído de http://www.biography.com/people/sam-waterston-9542268#recent-years
https://es.wikipedia.org/wiki/Sam_Waterston